Deidades Mitológicas Menores
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
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DEIDADES MITOLÓGICAS MENORES |
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BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA
En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.
Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.
BIBLIOGRAFÍA
Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
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LAS TRES MOIRAS – LAS TRES PARCAS
Las 3 Moiras, hijas de Zeus y Temis (la Justicia) son la personificación del Destino que le corresponde a cada persona en este mundo.
Todo ser humano tiene su Moira, parte de felicidad y parte de desgracia o tristeza en la vida. La Moira siempre es inflexible.
Encarna una ley que ni los mismos dioses pueden transgredir sin poner en peligro el orden del universo.
La Moira es la que impide a un dios socorrer a un héroe cuando le ha llegado “su hora”.
Se las representa como hilanderas que tejen el destino y limitan a su antojo la vida de los hombres.
Regulan la vida desde el nacimiento hasta la muerte, con la ayuda de un hilo:
1. La primera hilaba,
2. La segunda enrollaba y
3. La tercera cortaba el hilo de la vida.
En Roma las Parcas son las divinidades del Destino, identificadas con las Moiras griegas.
Las Parcas son tres hermanas:
1. Una preside el nacimiento
2. Otra, el matrimonio y
3. La tercera, la muerte.
En el Foro las tres Parcas estaban representadas por tres estatuas a las que se llamaban las tres Hadas.
GOYA, PINTURAS NEGRAS. LAS PARCAS (ÁTROPOS)
GOYA. 1820-1823. 123 x 266 cm. PINTURAS NEGRAS. LAS TRES PARCAS.
MUSEO DEL PRADO
Técnica mixta sobre revestimiento mural trasladado a lienzo.
El conjunto de 14 escenas al que pertenece esta obra se conoce como las Pinturas Negras, por el uso de pigmentos oscuros y negros y por lo sombrío de los temas.
Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, conocida por ese nombre antes de su adquisición por Goya en 1819.
Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900.
La casa fue derribada hacia 1909.
Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo.
Esta escena se tituló «Atropos«, nombre de la Parca de la mitología griega que corta el hilo de la vida, en el inventario de las obras en propiedad del hijo de Goya, redactado en fecha indeterminada, a mediados del siglo XIX, por el pintor Antonio Brugada (1804-1863), que regresó a Madrid en 1832 del exilio en Burdeos.
Se describió por primera vez, junto con el resto de las escenas, en la monografía de Charles Yriarte sobre el artista, de 1867, refiriéndose a ella como «Las Parcas«.
Formaba pareja con el «Duelo a garrotazos» en una de las paredes principales de la sala de la planta alta de la Quinta del Sordo.
En el primer catálogo del Prado de 1900 se le dio el mismo título.
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
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Afrodita (Venus). Diosa del Amor y la Belleza.
AFRODITA (VENUS)
DIOSA DEL AMOR Y DE LA BELLEZA
María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
TRONO LUDOVISI. PALACIO ALTEMPS, ROMA. Viaje 2014
Afrodita es la diosa del Amor. Se identifica en Roma con Venus.
Sobre su nacimiento hay dos tradiciones, una que la considera hija de Zeus y otra hija de Urano.
Cuando el Titán Crono cortó los genitales de su padre Urano, cayeron al mar y engendraron con las olas a la diosa Afrodita, surgida de la espuma del mar que rodeaba los genitales de Urano.
Afrodita, nació adulta como Atenea, pero siempre se la representó desnuda.
Montada sobre una concha marina recorrió el Mediterráneo hasta que eligió su residencia en Pafos, Chipre, su principal lugar de culto.
El relato de Hesíodo inspiró el relieve del Trono Ludovisi (Palacio Altemps, Roma. Museo Nazionale Romano), en el que Afrodita surge de las aguas asistida por las Horas, que cubren su desnudez.
Las tres Horas griegas serán las cuatro Estaciones romanas.
PALAZZO ALTEMPS, ROMA
El Palacio Altemps fue erigido en el siglo XV por la familia Riario y reformado un siglo después bajo las órdenes del cardenal Marco Sittico Altemps.
El Palazzo Altemps fue inaugurado en 1997 como parte del Museo Nacional Romano.
Alberga una importante colección de esculturas clásicas que pertenecieron a diferentes familias de la nobleza romana entre los siglos XVI y XVII.
Las obras se encuentran expuestas en habitaciones decoradas con frescos en sus paredes y techos.
Las figuras pertenecientes a la Colección Altemps se encuentran expuestas en el precioso patio y junto a la escalera monumental.
Aunque la colección del cardenal Altemps incluye más de cien obras, gran parte de ellas se encuentran expuestas en otros museos como el Museo del Louvre.
La colección Ludovisi se extiende por la mayor parte del museo. Comprende más de 100 obras entre las que destacan el Suicidio del Gálata, Ares Ludovisi y el Trono Ludovisi.
El Trono Ludovisi presenta un relieve frontal, en el cual las Horas ayudan a vestirse a Afrodita y recoge en su lateral el primer desnudo femenino de la Historia del Arte griego.
TRONO LUDOVISI. PALACIO ALTEMPS, ROMA. Viaje 2014
En Grecia la belleza reside en el cuerpo masculino desnudo y la elegancia en el cuerpo femenino vestido.
Afrodita es la diosa del Amor y desde el Juicio de Paris también es la diosa de la Belleza.
Hallándose los dioses reunidos en ocasión de la boda de Tetis y Peleo, Éride, que es la personificación de la Discordia, echó sobre la mesa una manzana de oro para la más bella de las diosas.
Atenea, Hera y Afrodita se consideraban la más hermosa e intentaron coger la manzana.
Se suscitó la disputa entre ellas y como nadie quería pronunciarse, Zeus delegó la elección en Paris.
Zeus encargó a Hermes que condujera a Hera, Atenea y Afrodita al monte Ida, para que Paris fallase el pleito.
Hera le ofreció poder y el imperio de Asia.
Atenea le ofreció sabiduría y victorias en todos los combates.
Afrodita le ofreció el amor de la mujer más bella, Helena de Esparta.
Paris se decantó por Afrodita y esta decisión tuvo como consecuencia la Guerra de Troya.
RUBENS. EL JUICIO DE PARIS. MUSEO DEL PRADO
Hacia 1638. Óleo sobre lienzo, 199 x 381 cm.
El relato mitológico del Juicio de Paris tiene su origen en la boda de Tetis y Peleo, donde la diosa Discordia reto a la diosa más bella a recoger una manzana de oro que había lanzado entre los presentes.
Hera, Atenea y Afrodita comenzaron una disputa y Zeus decidió que Hermes acompañase a las diosas ante Paris, quien se convertiría en el juez de la contienda.
Es tema es narrado por el poeta Ovidio en su obra Heroidas (XVI, 65-88), donde Paris escogió a Afrodita como vencedora y la diosa le concedió el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, hija de Zeus y reina de Esparta, desencadenándose así la Guerra de Troya.
El Juicio de Paris fue utilizado por Rubens en varias ocasiones, recreando el ideal de belleza femenino y el tema moral de las consecuencias del amor y la pasión.
Esta versión está basada en un diseño para un aguamanil diseñado por el artista. En el dibujo, la escena es más alargada y con más figuras.
La pintura se centró en las tres diosas desnudas con cuerpos exuberantes.
A la izquierda, cubriendo su desnudez, aparece la diosa Virgen Atenea, que tiene a sus pies su escudo, su casco y su lanza.
En el centro aparece la diosa Afrodita, acompañada de su hijo Eros, que recibe una corona de flores al ser elegida como diosa de la Belleza.
A la derecha, pintada de espaldas, se encuentra Hera, la esposa de Zeus, acompañada del pavo real con los ojos de Argos en su plumaje.
La obra fue un encargo personal del rey Felipe IV a Rubens entre 1638-1639, cuando el artista trabajaba en diversos encargos para el monarca.
RUBENS. EL JUICIO DE PARIS. MUSEO DEL PRADO
El hermano del rey, el Cardenal-Infante don Fernando de Austria, gobernador de los Países Bajos meridionales, consideraba ésta pintura como una de las mejores obras de Rubens, aunque se mostraba reticente ante la excesiva sensualidad de las tres mujeres.
La pintura se envió a Madrid en 1639 y decoró el Palacio del Buen Retiro, lugar para el que fue encargada, según el inventario de 1666.
El Museo del Prado posee otra versión realizada por Rubens en 1608, en su etapa de juventud.
ICONOGRAFÍA
La iconografía más habitual de la diosa la representa desnuda, reclinada o de pie sobre una concha, surgiendo de la espuma del mar amparada por tritones o náyades.
Tritón es un dios marino, hijo de Poseidón, al que se le representa con torso humano y cola de pez. El atributo especial de Tritón era una concha de caracol que tocaba como una trompeta para calmar o agitar las olas del mar.
Las náyades son las ninfas de agua dulce: fuentes, pozos, manantiales y arroyos. Son muy longevas, pero mortales.
Las ninfas son deidades femeninas de la naturaleza. Suelen ser representadas en las obras de arte como hermosas doncellas, desnudas o semidesnudas, que cantan y bailan. Se caracterizan por ser mortales.
BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. UFFIZI, FLORENCIA
En el Renacimiento Botticelli recuperó la temática mitológica, como un pretexto para la plasmación del desnudo femenino.
BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA
El pintor presenta a una diosa púdica que arriba a las costas de Chipre impulsada por el soplo del dios del viento calmado y favorable Céfiro y de su esposa Cloris.
Céfiro es el Viento del oeste. Viento suave y agradable de primavera.
Cloris (Flora en Roma) reinaba sobre las flores y los jardines.
En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.
Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.
GIORGIONE. VENUS DORMIDA. GALERÍA DE DRESDE, ALEMANIA.
Óleo sobre lienzo. 1510. 108,5 cm de altura por 175 cm de longitud.
La pintura presenta una Venus desnuda con un fondo de paisaje.
La textura de las telas y el armonioso paisaje dotan a este cuadro de placidez y sensualidad.
GIORGIONE. VENUS DORMIDA. DRESDE ALEMANIA
La obra quedó inconclusa debido al fallecimiento del Giorgione y el cielo fue posteriormente acabado por Tiziano.
La elección del artista de un desnudo femenino al aire libre, señala una revolución en la historia del arte y es considerada por muchos como el punto de inicio para el arte moderno.
La mujer aparece en un sueño recatado. Esta obra maestra del desnudo ha influido en muchos pintores posteriores como Tiziano en la Venus de Urbino, Ingres y Manet.
TIZIANO. VENUS DE URBINO. GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA
Óleo sobre lienzo. 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.
Es la primera vez que Tiziano pinta una figura de Venus en un interior, situada sobre un diván rojo cubierto con una sábana blanca.
Tiziano dirige el foco de luz sobre el cuerpo de Venus.
La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared oscura y con la tela del diván.
TIZIANO. VENUS DE URBINO. GALERÍA UFFIZI. FLORENCIA
Venus dirige la mirada directa al espectador con cierta provocación. Además su cabello rubio cae sobre los hombros, creando una figura cargada de sensualidad.
En su mano derecha porta unas flores mientras que con la izquierda cubre su desnudez.
Pinta una mujer real, olvidando la belleza ideal de Botticelli.
Al fondo, una ventana permite ver el cielo y un árbol.
Dos jóvenes buscan ropas en un arcón, siendo esta escena un perfecto complemento al desnudo.
Tiziano plasma la perspectiva a través de las baldosas, la columna del fondo, el árbol y el menor tamaño de las 2 figuras femeninas.
La Venus de Urbino sirvió de inspiración a la Olimpia de Manet.
TIZIANO. VENUS RECREÁNDOSE EN LA MÚSICA. MUSEO PRADO
Hacia 1550. Óleo sobre lienzo, 138 x 222,4 cm.
Las 5 pinturas de esta temática conservadas son variaciones sobre una misma idea.
Ambientadas en una villa, muestran a Venus recostada ante un gran ventanal escuchando música.
TIZIANO. VENUS RECREÁNDOSE EN LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO
A sus pies un organista (Prado y Gemäldegalerie de Berlín) o un tañedor de laúd (Metropolitan Museum de Nueva York y Fitzwilliam Museum de Cambridge) tocan sus instrumentos mientras contemplan la desnudez de la diosa, suavizada en las tres versiones no conservadas en el Prado por una gasa transparente, y rehuyendo sus miradas por la presencia de un perrito o de Cupido.
Estas pinturas constituyen la última etapa en el desarrollo de un subgénero: el de la Venus tumbada, iniciado en la Venus dormida de Giorgione/Tiziano y continuado en La Venus de Urbino.
Las pinturas de Venus y la música han sido objeto de interpretaciones dispares, si para algunos historiadores son obras eróticas carentes de un significado más profundo, para Panofsky posee un alto valor simbólico, entendiendo la vista y el oído como instrumentos de conocimiento de la belleza.
Venus recreándose en la música tiene un contexto matrimonial.
La mujer exhibe una alianza en la mano derecha y es la única a la que no acompaña Cupido.
El jardín es una metáfora del matrimonio bien avenido, el perro aludiría a la fidelidad y el pavo real a la fecundidad.
La adquirió Felipe IV y estaba inventariada en el Alcázar de Madrid entre 1666 y 1734.
Durante el siglo XVIII colgó en el Palacio Real Nuevo, e ingresó en el Museo del Prado en 1827.
TIZIANO. VENUS, EL AMOR Y LA MÚSICA, MUSEO DEL PRADO.
Hacia 1555. Óleo sobre lienzo, 150,2 x 218,2 cm.
El artista retomaba el tema de la reunión de músicos y mujeres desnudas en un espacio abierto, abordado ya al inicio de su carrera en el Concierto campestre (París, Musée du Louvre).
Para Venus recreándose en el Amor y la Música Tiziano se basó en la versión anterior.
El cambio más importante fue la sustitución del perro por Cupido, lo que obligó a modificar la parte superior del cuerpo de la diosa y la posición de su cabeza y mano izquierda.
En el músico se cambia el rostro por el de un hombre joven.
TIZIANO. VENUS CON EL AMOR Y LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO
El paisaje, los pliegues del cortinaje y la manta de terciopelo sobre la que yace Venus son muy similares.
El cuadro de Venus recreándose en el Amor y la Música aparece citado por primera vez en 1626, en el Alcázar de Madrid.
Procede de la colección real, ingresó en el Museo en 1838.
EROS (CUPIDO), DIOS DEL AMOR
En las teogonías más antiguas, Eros es considerado un dios nacido a la par que la Tierra y surgido del Caos.
Eros es la una fuerza fundamental del mundo porque asegura la continuidad de las especies.
La tradición más utilizada en el arte le presenta como hijo de Ares y Afrodita. Con frecuencia Eros o Cupido acompaña a su madre.
Bajo los influjos de los poetas ha ido adquiriendo su iconografía habitual. Se le representa como un niño, con o sin alas, que lleva la inquietud a los corazones que hiere con sus flechas.
Bajo su apariencia inocente hay un dios poderoso, que puede producir un dolor cruel.
AFRODITA Y ARES (VENUS Y MARTE)
Afrodita se casó con Hefesto, el dios cojo, pero amaba a Ares, dios de la Guerra.
Homero cuenta como de madrugada fueron sorprendidos los amantes Afrodita y Ares por el dios Sol, quien acudió a contar la aventura a Hefesto.
Hefesto (Vulcano) preparó una trampa que consistía en una red mágica que él sólo podía accionar.
Una noche, en la que los amantes se encontraban en el lecho de Afrodita, Hefesto lanzó la red sobre ellos y llamó a todos los dioses del Olimpo, causando el espectáculo gran regocijo.
Por ruego de Poseidón, Hefesto retiró la red. Afrodita escapó avergonzada a Chipre y Ares se fue a Tracia.
De los amores de Ares y Afrodita nacieron Eros y Anteros, Deimo y Fobo (el Terror y el Temor) y Harmonía, esposa de Cadmo en Tebas.
ANTONIO CANOVA (CÍRCULO). VENUS Y MARTE. MUSEO PRADO
1820 – 1830. Mármol, 233 x 125 cm.
El Marqués de Salamanca ofreció en venta al Museo del Prado una obra de Antonio Canova, Venus y Marte, autoría con la que se adquirió y que ha sido mantenida durante décadas, pero que Pavanello en 1976, al catalogar toda la obra de Canova la consideró como copia.
Esta espectacular escultura de mármol de Carrara, representa a la diosa del Amor y la Belleza acompañada de su gran amor, Marte, el dios de la Guerra.
Venus, diosa del amor, intenta retener a Marte con su sensual mirada, atrayéndole para que no vaya a la guerra.
La fortaleza de Marte se equilibra con la belleza de Venus.
El Museo del Prado compró el 16 de junio de 1881 el grupo de Venus y Marte y un conjunto de cuadros por un alto precio, 40.000 pesetas de la época. A finales de junio esta obra había ingresado en el Museo del Prado.
Este grupo es magnífico y son muy pocos los detalles que se aprecian diferentes en relación con la primera versión marmórea de Canova en Londres, ambas de tamaño natural.
CÍRCULO DE CANOVA. VENUS Y MARTE. MUSEO DEL PRADO
La factura de la obra del Prado es menos pulida en su acabado general y varían matices como el tratamiento de los pliegues de la tela que porta Venus.
El modelado de los cuerpos es similar, así como la vinculación de la pareja a través de su intensa mirada.
VENUS Y ADONIS
El mito de Adonis es una leyenda siria a la que alude Hesíodo.
Tías, rey de Siria, tenía una hija, Mirra, a quien la cólera de Afrodita impulsó a desear un incesto con su padre.
Ayudada por su nodriza logró engañar a su padre y unirse a él durante 12 noches. La última noche su padre se dio cuenta del engaño y la persiguió con un cuchillo para matarla.
Ante el peligro Mirra invocó la protección de los dioses, quienes la escucharon y la transformaron en el árbol de la mirra.
9 meses después la corteza del árbol se levantó y de allí salió un niño al que se llamó Adonis.
Afrodita, ante la belleza del niño, se le confió en secreto a Perséfone para que le cuidara, quien se prendó del niño y se negó a devolvérselo a Afrodita.
La disputa entre las dos diosas fue zanjada por Zeus, decidiendo que Adonis pasara un tercio del año con Afrodita, otro con Perséfone y el otro con quien el deseara, que siempre era con su amada Afrodita.
Más tarde, la cólera de Artemisa o los celos de Ares lanzaron contra Adonis un jabalí, que le hirió mortalmente en una cacería.
TIZIANO. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
1554. Óleo sobre lienzo, 186 x 207 cm.
Las primeras poesías que recibió el príncipe Felipe fueron Dánae (1553, The Wellington Collection) y Venus y Adonis (1554), versiones de otras anteriores, que se convirtieron a su vez en modelos para múltiples réplicas.
Tiziano retomó el asunto veinte años después en varias composiciones, una de las cuales fue el punto de partida de la conservada en el Prado.
En esta obra, realizada en 1554, Tiziano presenta a la diosa de espaldas para demostrar, mediante la contemplación conjunta de Dánae (The Wellington Collection) y Venus y Adonis, que la pintura podía representar distintos puntos de vista, equiparándose así con la escultura.
Venus y Adonis es una obra de gran calidad, sensualidad y belleza.
La reflectografía infrarroja muestra que para Venus y Adonis Tiziano partió de la versión en Moscú (colección particular, 1542-1546).
Las figuras y las partes principales fueron trasladadas mediante un calco y dicho calco coincide con precisión con el cuadro de Moscú.
TIZIANO. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Tiziano, como era habitual al realizar réplicas, incluyó pequeños cambios en la versión de Felipe II.
Las réplicas con pequeñas variantes eran muy habituales en la época, así como la copia de obras de grandes artistas anteriores.
Los cambios más notables se aprecian sólo en superficie, en la zona del abrazo, en el perfil de Venus y el cuerpo de Adonis.
Venus y Adonis pareció a sus contemporáneos la poesía más erótica, ya que las nalgas de Venus eran la parte de la anatomía femenina que más suscitaba la imaginación masculina.
Se denominan poesías al conjunto de obras mitológicas de Tiziano que pintó para Felipe II entre 1553 y 1562, integrado por Dánae (The Wellington Collection, Apsley House), Venus y Adonis (Madrid, Museo del Prado), Perseo y Andrómeda (Londres, The Wallace Collection), Diana y Acteón y Diana y Calisto (Edimburgo, National Galleries of Scotland-Londres, National Gallery) y El rapto de Europa (Boston, Isabella Stewart Gardner Museum).
El primer documento que alude a las poesías es una carta fechada en Venecia el 23 de marzo de 1553 en la que Tiziano anuncia el envío de un retrato del entonces príncipe y que trabajaba en un proyecto conocido por ambos.
Probablemente fue el príncipe Felipe quien encargó a Tiziano en Augsburgo un conjunto de pinturas mitológicas, dándole después libertad para elegir los temas y su plasmación pictórica.
Las poesías fueron concebidas para exhibirse conjuntamente, como afirmaba Tiziano el 10-9-1554, pero no se realizaron para un espacio concreto, ya que hasta agosto de 1559 Felipe no poseyó una residencia estable.
Tiziano se preocupaba por las condiciones lumínicas de los espacios que debían acoger sus obras y la falta de referencias podría explicar la uniformidad lumínica que exhiben las poesías, donde las figuras apenas proyectan sombras, en contraste con obras contemporáneas como San Nicolás de Bari, la Transfiguración o la Anunciación, destinadas a iglesias venecianas.
Las poesías colgaron juntas en el Alcázar de Madrid. Así se citan en el siglo XVII.
Dánae y Venus y Adonis no compartían espacio, deshaciéndose así el propósito especular con que las concibió Tiziano.
VERONÉS. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Hacia 1580. Óleo sobre lienzo, 162 x 191 cm.
Como su pareja, Céfalo y Procris (Museo de Estrasburgo), ilustra un pasaje de Las Metamorfosis del poeta romano Ovidio que cuenta un amor truncado por la muerte repentina de Adonis.
VERONÉS. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Veronés muestra a Venus y Adonis en un momento de reposo y fue pintado tras una estancia en Roma.
Veronés se sirve para la figura de Cupido de una escultura helenística, El niño de la oca, mientras Adonis recuerda el Endimión de un sarcófago romano conservado en San Juan de Letrán.
Fue comprada por Velázquez durante su segundo viaje a Italia entre 1649 y 1651.
CARRACCI, ANNIBALE. VENUS, ADONIS Y CUPIDO. MUSEO PRADO
Hacia 1590. Óleo sobre lienzo, 212 x 268 cm.
Venus, diosa del Amor y la Belleza, es accidentalmente herida por su hijo Cupido con una flecha, desencadenándose así su pasión por Adonis, una historia de amor que acabara con la trágica muerte del hermoso joven.
La escena está basada en el libro X de las Metamorfosis de Ovidio.
El paisaje y la luz enlazan con el color veneciano de Tiziano, mientras que el clasicismo de las figuras fue desarrollado por Carracci a partir de la escultura greco-romana y las obras de Correggio, Rafael y Miguel Ángel.
CARRACCI, ANNIBALE. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Se conservan varios dibujos preparatorios para esta obra en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, en la Galería degli Uffizi en Florencia y en el British Museum en Londres, y una copia antigua en el Museum de Viena.
Es una obra maestra del menor y más reputado miembro de la familia Carracci.
Fue adquirida por Felipe IV en 1664 a los herederos del aristócrata genovés Giovanni Francesco Serra (1609-1656).
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
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Viaje a Florencia. 12 a 16 de septiembre de 2018
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
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Viaje a Florencia. 12 a 16 de septiembre de 2018
Organización Técnica: HILAS VIAJES S.L.C/ O’Donnell, 46 – Entreplanta D 28009 MADRIDPersona de Contacto: Natygrupos@hilasviajes.esTeléfono móvil: 00 34 670 793 713 |
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Conocer Florencia es algo imprescindible para el amante del arte. La capital toscana es la maravilla del Renacimiento; el lugar donde se hallan las huellas de personajes como Dante o Miguel Ángel y miles de obras de aquellos hombres que en el tramo final de la Edad Media impulsaron el desarrollo del hombre y realizaron algunas de las más bellas creaciones artísticas de todos los tiempos. Pero hay que advertir que el fondo artístico de Florencia es casi inagotable. Es ésta una urbe a la que hay que volver una y otra ver, para degustar en ella el arte de los siglos finales del medievo. No hay otra ciudad en el mundo con tan magnífico elenco artístico de esta época. Ver más en el folleto adjunto… |
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Artemisa (Diana en Roma) Diosa de la Castidad y de la Caza
ÁRTEMIS O ARTEMISA (DIANA EN ROMA)
DIOSA DE LA CASTIDAD Y DE LA CAZA
María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
DIANA – ARTEMISA EN EL MUSEO DEL LOUVRE
LETO Y NÍOBE
Ártemis o Artemisa y su hermano gemelo Apolo eran hijos de Zeus y Leto.
Leto pertenece a la primera generación de divina, ya que es hija del Titán Ceo y la Titánide Febe, por lo tanto Asteria y Ortigia son sus hermanas.
Cuando Leto estaba encinta de los divinos gemelos, la celosa Hera prohibió que en cualquier lugar de la tierra le fuese ofrecido un asilo para poder dar a luz.
Leto anduvo errante, sin poder detenerse jamás, hasta que finalmente Ortigia, que hasta entonces había sido una isla flotante y estéril y que no temía la cólera de Hera, consintió en acogerla.
Como recompensa la isla quedó fijada sólidamente al mar por 4 grandes columnas.
También cambió su denominación de Ortigia por Delos, la Brillante, porque en ella nació Apolo, el dios de la Luz.
Otra leyenda dice que Bóreas, por orden de Zeus, condujo a la joven a Posidón, quien levantando las olas del mar creó una bóveda líquida encima de la isla para que Leto pudiese dar a luz.
Los dolores de parto le duraron a Leto 9 días y 9 noches.
Todas las diosas acudieron a ayudar a Leto, salvo Hera y su hija Ilitía, la diosa de los alumbramientos que se había quedado en el Olimpo y su ausencia impedía el parto.
Finalmente, las demás diosas enviaron a Iris como mensajera, prometiendo a Ilitía un collar de oro y ámbar. Este regalo la decidió a acudir en ayuda de Leto para que nacieran los divinos gemelos.
Leto se arrodilló al pie de la palmera y dio a luz primero a Ártemis, y después, con ayuda de ésta, a Apolo.
Leto fue una madre muy querida por sus hijos, quienes la defendieron por todos los medios, matando a los hijos e hijas de Níobe.
Níobe fue una de las grandes heroínas tebanas y tuvo un elevado número de hijos que varían según los autores.
Según Homero tuvo 12 hijos, seis varones y seis mujeres.
Según Hesíodo tuvo 20 hijos, 10 varones y 10 hembras.
Herodoto habla de 5 hijos, 2 varones y 3 hijas.
Níobe se sentía tan orgullosa de sus hijos que un día declaró que era superior a Leto, madre solo de un hijo, Apolo, y una hija, Artemisa.
Leto, ofendida, pidió a sus hijos que la vengasen y Apolo mató a los hijos de Níobe con sus flechas y Ártemis a sus hijas.
Apolo mató a los hijos varones de Níobe en una cacería del monte Citerón, mientras Ártemis mató a las muchachas que habían quedado en casa.
Níobe, sumida en su gran dolor, huyó junto a su padre Tántalo al monte Sípilo, en Asia Menor, donde los dioses la transformaron en roca, pero sus ojos siguieron llorando dando lugar a un manantial.
ÁRTEMIS O ARTEMISA (DIANA)
Ártemis se identifica en roma con la Diana latina.
Del amor entre Zeus y Leto nacieron los gemelos Ártemis y Apolo.
La primera en nacer en Delos fue Ártemis y tras 9 días de parto ayudó a su madre a traer al mundo a su hermano Apolo.
Ártemis permaneció siempre virgen y eternamente joven, dedicándose a su gran afición, la caza.
Al igual que su hermano Apolo, va armada con arco y flechas para la caza de ciervos.
Ártemis es responsable de la muerte de las mujeres en el parto.
Se atribuyen a sus flechas las muertes repentinas, sobre todo las indoloras.
Es una diosa vengativa y fueran muchas las víctimas de su cólera.
Junto a su hermano Apolo mató a los hijos de Níobe.
Ártemis tomó parte en el combate contra los Gigantes.
Entre sus víctimas figura Orión, el cazador gigante.
El motivo difiere según las tradiciones. En una se dice que incurrió en la ira de la diosa por haberla desafiado a lanzar el disco.
Otra tradición dice que Orión intentó violarla y ella envió un escorpión que le mató con su picadura.
La iconografía nos la presenta vestida con túnica corta, mostrando la anatomía de las piernas, llevando el arco y las flechas.
Se la considera desde la antigüedad una personificación de la Luna, mientras que Apolo lo era del Sol, por lo que a menudo porta una media luna como símbolo.
ACTEÓN
Otro cazador fue Acteón quien, educado por el centauro Quirón, aprendió el arte de la caza.
Un día Acteón, en el Citerón, fue devorado por sus propios perros. La mayoría de los autores atribuyen el castigo a la ira de la diosa Ártemis, irritada por haber sido vista desnuda por Acteón cuando se bañaba en un manantial.
La diosa transformó a Acteón en ciervo y enfureció a su jauría de perros contra él. Los perros le devoraron sin reconocerle y después le buscaron en vano por el bosque.
La búsqueda condujo a los perros hasta la caverna del centauro Quirón, quien, para consolarlos, modeló una estatua a imagen de Acteón.
HENDRIK DE CLERCK. DIANA Y ACTEÓN. 1608. MUSEO DEL PRADO
CACERÍA DE CALIDÓN
Ártemis está en el origen de la Cacería de Calidón, en la que sucumbió el cazador Meleagro.
Eneo se olvidó de ofrecer un sacrificio a Ártemis, cuando realizaba ofrendas a los demás dioses por sus primeras cosechas y Ártemis, ofendida e irritada, envió un enorme jabalí contra Calidón.
ATALANTA Y MELEAGRO CAZANDO EL JABALÍ DE CALIDÓN
1635 – 1640. Óleo sobre lienzo, 162 x 264 cm. Museo del Prado.
En las Metamorfosis de Ovidio (VIII, 260-444), un jabalí gigante, enviado por la diosa Diana, asolaba el reino de Calidón. Rubens, perfecto conocedor de los textos clásicos, es fiel al relato de Ovidio.
Meleagro, hijo del rey, y Atalanta organizaron una cacería, ayudados por Cástor y Pólux.
Rubens en esta obra recrea, como es característico en la última etapa de su pintura, un frondoso paisaje en el que Atalanta hiere mortalmente al animal y envía contra él a los perros. A la izquierda aparecen Cástor y Pólux y a la derecha Meleagro.
La obra fue propiedad del pintor hasta su muerte en 1640 cuando fue adquirida para la colección de Felipe IV.
RUBENS. ATALANTA Y MELEAGRO CAZANDO EL JABALÍ DE CALIDÓN.
1635 – 1640. MUSEO DEL PRADO
CALISTO
Calisto era una ninfa de los bosques que había consagrado su virginidad y se pasaba la vida cazando en el monte con Ártemis y sus compañeras.
Zeus se enamoró de ella, pero como rehuía a los hombres consiguió unirse a ella en la figura de Ártemis, aunque según otras versiones adoptó la figura de Apolo.
Calisto estaba encinta cuando Ártemis y sus ninfas decidieron bañarse en una fuente. Cuando Calisto se desnudó se descubrió su embarazo del que nacería Árcade.
Ártemis irritada la expulsó y la convirtió en osa y la mató de un flechazo por no haber preservado su virginidad.
Zeus la transformó en constelación, la Osa Mayor.
Todas estas leyendas son relatos de cacería que presentan a la diosa salvaje de bosques y montañas.
En los trabajos de Heracles se narra como el héroe recibió de Euristeo la orden de traerle el ciervo de cuernos de oro consagrado a Ártemis.
Heracles persiguió durante un año al ciervo hasta que estuvo muy cansado y lo mató. Ártemis le pidió cuentas, pero él cargó la responsabilidad sobre Euristeo.
En Ifigenia, su padre Agamenón había matado un ciervo en una cacería, mientras esperaba un viento favorable para partir hacia Troya, como consecuencia la diosa inmovilizó la flota griega.
El adivino Tiresias rebeló que el único remedio para acabar con la calma eólica era el sacrificio de Ifigenia, la hija doncella de Agamenón.
Pero Ártemis no aceptó el sacrificio y en el último instante sustituyó a la doncella por una cierva.
Su santuario más célebre fue el de Éfeso, donde Ártemis había asimilado una antigua divinidad asiática de la fecundidad.
Desde la antigüedad se interpretó a Ártemis como una personificación de la Luna errante por las montañas.
Su hermano gemelo Apolo era también considerado una personificación del Sol.
Ártemis fue la protectora de las amazonas, guerreras, cazadoras e independientes de los hombres como ella.
En la iconografía viste con túnica corta, mostrando la anatomía de las piernas, llevando el arco y las flechas.
DIANA CAZADORA, MUSEO ARQUEOLÓGICO DE SEVILLA.
TALLER DE RUBENS DIANA CAZADORA
1617 – 1620. Óleo sobre lienzo, 184 x 199 cm. Museo del Prado.
Esta pintura muestra una cacería de Diana con sus ninfas, un tema repetido en la pintura de Rubens y en las colecciones reales.
TALLER DE RUBENS. DIANA CAZADORA. 1617 – 1620. MUSEO DEL PRADO
Aparece en la decoración de la Torre de la Parada y en el Salón nuevo del Alcázar, como parte de las ocho obras que el artista se trajo consigo en su segunda visita a España entre 1628-1629.
Diana, en el centro con la media luna identificativa sobre su cabeza, aparece acompañada de su séquito. Una de sus ninfas toca una trompa, instrumento utilizado habitualmente en las cacerías.
En la actualidad se considera una obra de taller por la calidad de la pintura y la técnica empleada.
Esta pintura formaba parte de un conjunto llegado desde Flandes para decorar la Torre de la Reina del Alcázar de Madrid.
La referencia documental de este grupo de 26 obras aparece en el inventario del Alcázar de 1636, donde se mencionan 25 de ellas.
La reina, Isabel de Borbón, en 1623 pagó unas obras llegadas de Flandes para decorar sus aposentos.
Desconocemos si fue la reina quien encargó estas obras, el rey o si la idea vino de Flandes de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia.
DIANA Y CALISTO
Hacia 1635. Óleo sobre lienzo, 202,6 x 325,5 cm. Museo del prado
El poeta romano Ovidio en su libro Las Metamorfosis (II, 401-532) relata la historia de Diana y la ninfa Calisto.
RUBENS. DIANA Y CALISTO. 1635. MUSEO DEL PRADO.
Mientras Diana y sus ninfas se preparan para darse un baño Calisto muestra su embarazo.
Avergonzada, intenta cubrirse con sus ropas. A la izquierda, con una media luna en la cabeza, aparece Diana.
Rubens se centra más en Calisto que en Diana y carga la imagen de la sensualidad y el erotismo, característico en sus últimas obras.
La pintura está documentada por primera vez en la colección real española en 1666.
DIANA Y SUS NINFAS SORPRENDIDAS POR SÁTIROS
1639 – 1640. Óleo sobre lienzo, 129,5 x 315,2 cm. Museo del prado
Tras haber recibido el encargo para la Torre de la Parada Rubens sigue trabajando para la corona española en la decoración de la bóveda de Palacio del Alcázar.
Este, junto con cuatro grandes lienzos para el Salón Nuevo del Palacio Real, serán los últimos encargos de Rubens hasta su muerte.
La Bóveda de Palacio era una de las estancias del conocido «cuarto bajo de verano«, situado bajo el cuarto nuevo de la reina, donde el rey se retiraba en los meses de calor y considerado un lugar apartado e íntimo.
Allí colgaron Dánae recibiendo la lluvia de oro y Venus y Adonis junto a las demás poesías de Tiziano.
Las pinturas fueron realizadas en colaboración entre Rubens y Snyders.
El encargo contó con un total de 18 obras, 8 de mayor tamaño dedicadas al tema de la caza y 10 más pequeñas sobre los trabajos de Hércules.
Rubens trabajó en temas de cacerías y mitología para la corona española.
Diana aparece en el extremo derecho de la composición y sus ninfas son atacadas por un grupo de sátiros que las han sorprendido en un claro del bosque.
Las ninfas luchan contra los sátiros, destacando la figura de Diana, que muestra gran enfado con fuerza expresiva, mientras sujeta una lanza.
Rubens crea una composición de gran movimiento en el que las figuras en diferentes posturas, enriquecen la obra.
Utiliza diferentes tonalidades en los cuerpos. Una carnación morena y cálida de los sátiros, frente a las calidades nacaradas de los cuerpos desnudos de las ninfas.
La pincelada es muy suelta para crear una mayor sensación de movimiento.
F. Snyders se encargó de los animales que complementan la composición. Pinta a perros atacando a los faunos del segundo término y en los animales muertos de primer término, crea un pequeño bodegón de caza.
RUBENS. DIANA Y SUS NINFAS SORPRENDIDAS POR SÁTIROS.
1639 – 1640. MUSEO DEL PRADO
SÁTIROS Y FAUNOS
Los sátiros, llamados también silenos, son genios de la Naturaleza incorporados al séquito de Dioniso y Pan.
Eran imaginados bailando en el campo, bebiendo con Dioniso y persiguiendo a las ninfas y a las ménades.
Los sátiros suelen representarse con torso de hombre, pero con las orejas puntiagudas y la parte inferior de macho cabrío. Una larga cola semejante a la de los caballos y un miembro viril perpetuamente erecto, indicio de su gran apetito sexual. Con el tiempo los miembros inferiores también se convierten en humanos y sólo queda la cola como testimonio, que con el tiempo también se pierde.
Los sátiros se asimilaron con el lado salvaje de la naturaleza y la lujuria, sirviendo de pretexto a los pintores para representar escenas eróticas con desnudos femeninos.
Pan es el dios de los pastores y los rebaños en Grecia.
Era la divinidad más importante del cortejo de Dioniso. Habitaba con las ninfas a las que espiaba y perseguía.
Su torso es de hombre y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas. Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy arrugado con barba.
Su atributo es la siringa, flauta formada por una serie de cinco a siete pequeños tubos de desigual tamaño unidos en paralelo y ordenados de mayor a menor.
Pan es una divinidad griega que se acabó identificando con el dios romano Fauno por la similitud de sus atributos.
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
https://maitearte.wordpress.com
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El Rincón de Maite 