Deidades Mitológicas Menores
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
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DEIDADES MITOLÓGICAS MENORES |
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BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA
En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.
Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.
BIBLIOGRAFÍA
Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
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LAS TRES MOIRAS – LAS TRES PARCAS
Las 3 Moiras, hijas de Zeus y Temis (la Justicia) son la personificación del Destino que le corresponde a cada persona en este mundo.
Todo ser humano tiene su Moira, parte de felicidad y parte de desgracia o tristeza en la vida. La Moira siempre es inflexible.
Encarna una ley que ni los mismos dioses pueden transgredir sin poner en peligro el orden del universo.
La Moira es la que impide a un dios socorrer a un héroe cuando le ha llegado “su hora”.
Se las representa como hilanderas que tejen el destino y limitan a su antojo la vida de los hombres.
Regulan la vida desde el nacimiento hasta la muerte, con la ayuda de un hilo:
1. La primera hilaba,
2. La segunda enrollaba y
3. La tercera cortaba el hilo de la vida.
En Roma las Parcas son las divinidades del Destino, identificadas con las Moiras griegas.
Las Parcas son tres hermanas:
1. Una preside el nacimiento
2. Otra, el matrimonio y
3. La tercera, la muerte.
En el Foro las tres Parcas estaban representadas por tres estatuas a las que se llamaban las tres Hadas.
GOYA, PINTURAS NEGRAS. LAS PARCAS (ÁTROPOS)
GOYA. 1820-1823. 123 x 266 cm. PINTURAS NEGRAS. LAS TRES PARCAS.
MUSEO DEL PRADO
Técnica mixta sobre revestimiento mural trasladado a lienzo.
El conjunto de 14 escenas al que pertenece esta obra se conoce como las Pinturas Negras, por el uso de pigmentos oscuros y negros y por lo sombrío de los temas.
Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, conocida por ese nombre antes de su adquisición por Goya en 1819.
Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900.
La casa fue derribada hacia 1909.
Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo.
Esta escena se tituló «Atropos«, nombre de la Parca de la mitología griega que corta el hilo de la vida, en el inventario de las obras en propiedad del hijo de Goya, redactado en fecha indeterminada, a mediados del siglo XIX, por el pintor Antonio Brugada (1804-1863), que regresó a Madrid en 1832 del exilio en Burdeos.
Se describió por primera vez, junto con el resto de las escenas, en la monografía de Charles Yriarte sobre el artista, de 1867, refiriéndose a ella como «Las Parcas«.
Formaba pareja con el «Duelo a garrotazos» en una de las paredes principales de la sala de la planta alta de la Quinta del Sordo.
En el primer catálogo del Prado de 1900 se le dio el mismo título.
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
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Afrodita (Venus). Diosa del Amor y la Belleza.
AFRODITA (VENUS)
DIOSA DEL AMOR Y DE LA BELLEZA
María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
TRONO LUDOVISI. PALACIO ALTEMPS, ROMA. Viaje 2014
Afrodita es la diosa del Amor. Se identifica en Roma con Venus.
Sobre su nacimiento hay dos tradiciones, una que la considera hija de Zeus y otra hija de Urano.
Cuando el Titán Crono cortó los genitales de su padre Urano, cayeron al mar y engendraron con las olas a la diosa Afrodita, surgida de la espuma del mar que rodeaba los genitales de Urano.
Afrodita, nació adulta como Atenea, pero siempre se la representó desnuda.
Montada sobre una concha marina recorrió el Mediterráneo hasta que eligió su residencia en Pafos, Chipre, su principal lugar de culto.
El relato de Hesíodo inspiró el relieve del Trono Ludovisi (Palacio Altemps, Roma. Museo Nazionale Romano), en el que Afrodita surge de las aguas asistida por las Horas, que cubren su desnudez.
Las tres Horas griegas serán las cuatro Estaciones romanas.
PALAZZO ALTEMPS, ROMA
El Palacio Altemps fue erigido en el siglo XV por la familia Riario y reformado un siglo después bajo las órdenes del cardenal Marco Sittico Altemps.
El Palazzo Altemps fue inaugurado en 1997 como parte del Museo Nacional Romano.
Alberga una importante colección de esculturas clásicas que pertenecieron a diferentes familias de la nobleza romana entre los siglos XVI y XVII.
Las obras se encuentran expuestas en habitaciones decoradas con frescos en sus paredes y techos.
Las figuras pertenecientes a la Colección Altemps se encuentran expuestas en el precioso patio y junto a la escalera monumental.
Aunque la colección del cardenal Altemps incluye más de cien obras, gran parte de ellas se encuentran expuestas en otros museos como el Museo del Louvre.
La colección Ludovisi se extiende por la mayor parte del museo. Comprende más de 100 obras entre las que destacan el Suicidio del Gálata, Ares Ludovisi y el Trono Ludovisi.
El Trono Ludovisi presenta un relieve frontal, en el cual las Horas ayudan a vestirse a Afrodita y recoge en su lateral el primer desnudo femenino de la Historia del Arte griego.
TRONO LUDOVISI. PALACIO ALTEMPS, ROMA. Viaje 2014
En Grecia la belleza reside en el cuerpo masculino desnudo y la elegancia en el cuerpo femenino vestido.
Afrodita es la diosa del Amor y desde el Juicio de Paris también es la diosa de la Belleza.
Hallándose los dioses reunidos en ocasión de la boda de Tetis y Peleo, Éride, que es la personificación de la Discordia, echó sobre la mesa una manzana de oro para la más bella de las diosas.
Atenea, Hera y Afrodita se consideraban la más hermosa e intentaron coger la manzana.
Se suscitó la disputa entre ellas y como nadie quería pronunciarse, Zeus delegó la elección en Paris.
Zeus encargó a Hermes que condujera a Hera, Atenea y Afrodita al monte Ida, para que Paris fallase el pleito.
Hera le ofreció poder y el imperio de Asia.
Atenea le ofreció sabiduría y victorias en todos los combates.
Afrodita le ofreció el amor de la mujer más bella, Helena de Esparta.
Paris se decantó por Afrodita y esta decisión tuvo como consecuencia la Guerra de Troya.
RUBENS. EL JUICIO DE PARIS. MUSEO DEL PRADO
Hacia 1638. Óleo sobre lienzo, 199 x 381 cm.
El relato mitológico del Juicio de Paris tiene su origen en la boda de Tetis y Peleo, donde la diosa Discordia reto a la diosa más bella a recoger una manzana de oro que había lanzado entre los presentes.
Hera, Atenea y Afrodita comenzaron una disputa y Zeus decidió que Hermes acompañase a las diosas ante Paris, quien se convertiría en el juez de la contienda.
Es tema es narrado por el poeta Ovidio en su obra Heroidas (XVI, 65-88), donde Paris escogió a Afrodita como vencedora y la diosa le concedió el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, hija de Zeus y reina de Esparta, desencadenándose así la Guerra de Troya.
El Juicio de Paris fue utilizado por Rubens en varias ocasiones, recreando el ideal de belleza femenino y el tema moral de las consecuencias del amor y la pasión.
Esta versión está basada en un diseño para un aguamanil diseñado por el artista. En el dibujo, la escena es más alargada y con más figuras.
La pintura se centró en las tres diosas desnudas con cuerpos exuberantes.
A la izquierda, cubriendo su desnudez, aparece la diosa Virgen Atenea, que tiene a sus pies su escudo, su casco y su lanza.
En el centro aparece la diosa Afrodita, acompañada de su hijo Eros, que recibe una corona de flores al ser elegida como diosa de la Belleza.
A la derecha, pintada de espaldas, se encuentra Hera, la esposa de Zeus, acompañada del pavo real con los ojos de Argos en su plumaje.
La obra fue un encargo personal del rey Felipe IV a Rubens entre 1638-1639, cuando el artista trabajaba en diversos encargos para el monarca.
RUBENS. EL JUICIO DE PARIS. MUSEO DEL PRADO
El hermano del rey, el Cardenal-Infante don Fernando de Austria, gobernador de los Países Bajos meridionales, consideraba ésta pintura como una de las mejores obras de Rubens, aunque se mostraba reticente ante la excesiva sensualidad de las tres mujeres.
La pintura se envió a Madrid en 1639 y decoró el Palacio del Buen Retiro, lugar para el que fue encargada, según el inventario de 1666.
El Museo del Prado posee otra versión realizada por Rubens en 1608, en su etapa de juventud.
ICONOGRAFÍA
La iconografía más habitual de la diosa la representa desnuda, reclinada o de pie sobre una concha, surgiendo de la espuma del mar amparada por tritones o náyades.
Tritón es un dios marino, hijo de Poseidón, al que se le representa con torso humano y cola de pez. El atributo especial de Tritón era una concha de caracol que tocaba como una trompeta para calmar o agitar las olas del mar.
Las náyades son las ninfas de agua dulce: fuentes, pozos, manantiales y arroyos. Son muy longevas, pero mortales.
Las ninfas son deidades femeninas de la naturaleza. Suelen ser representadas en las obras de arte como hermosas doncellas, desnudas o semidesnudas, que cantan y bailan. Se caracterizan por ser mortales.
BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. UFFIZI, FLORENCIA
En el Renacimiento Botticelli recuperó la temática mitológica, como un pretexto para la plasmación del desnudo femenino.
BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA
El pintor presenta a una diosa púdica que arriba a las costas de Chipre impulsada por el soplo del dios del viento calmado y favorable Céfiro y de su esposa Cloris.
Céfiro es el Viento del oeste. Viento suave y agradable de primavera.
Cloris (Flora en Roma) reinaba sobre las flores y los jardines.
En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.
Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.
GIORGIONE. VENUS DORMIDA. GALERÍA DE DRESDE, ALEMANIA.
Óleo sobre lienzo. 1510. 108,5 cm de altura por 175 cm de longitud.
La pintura presenta una Venus desnuda con un fondo de paisaje.
La textura de las telas y el armonioso paisaje dotan a este cuadro de placidez y sensualidad.
GIORGIONE. VENUS DORMIDA. DRESDE ALEMANIA
La obra quedó inconclusa debido al fallecimiento del Giorgione y el cielo fue posteriormente acabado por Tiziano.
La elección del artista de un desnudo femenino al aire libre, señala una revolución en la historia del arte y es considerada por muchos como el punto de inicio para el arte moderno.
La mujer aparece en un sueño recatado. Esta obra maestra del desnudo ha influido en muchos pintores posteriores como Tiziano en la Venus de Urbino, Ingres y Manet.
TIZIANO. VENUS DE URBINO. GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA
Óleo sobre lienzo. 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.
Es la primera vez que Tiziano pinta una figura de Venus en un interior, situada sobre un diván rojo cubierto con una sábana blanca.
Tiziano dirige el foco de luz sobre el cuerpo de Venus.
La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared oscura y con la tela del diván.
TIZIANO. VENUS DE URBINO. GALERÍA UFFIZI. FLORENCIA
Venus dirige la mirada directa al espectador con cierta provocación. Además su cabello rubio cae sobre los hombros, creando una figura cargada de sensualidad.
En su mano derecha porta unas flores mientras que con la izquierda cubre su desnudez.
Pinta una mujer real, olvidando la belleza ideal de Botticelli.
Al fondo, una ventana permite ver el cielo y un árbol.
Dos jóvenes buscan ropas en un arcón, siendo esta escena un perfecto complemento al desnudo.
Tiziano plasma la perspectiva a través de las baldosas, la columna del fondo, el árbol y el menor tamaño de las 2 figuras femeninas.
La Venus de Urbino sirvió de inspiración a la Olimpia de Manet.
TIZIANO. VENUS RECREÁNDOSE EN LA MÚSICA. MUSEO PRADO
Hacia 1550. Óleo sobre lienzo, 138 x 222,4 cm.
Las 5 pinturas de esta temática conservadas son variaciones sobre una misma idea.
Ambientadas en una villa, muestran a Venus recostada ante un gran ventanal escuchando música.
TIZIANO. VENUS RECREÁNDOSE EN LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO
A sus pies un organista (Prado y Gemäldegalerie de Berlín) o un tañedor de laúd (Metropolitan Museum de Nueva York y Fitzwilliam Museum de Cambridge) tocan sus instrumentos mientras contemplan la desnudez de la diosa, suavizada en las tres versiones no conservadas en el Prado por una gasa transparente, y rehuyendo sus miradas por la presencia de un perrito o de Cupido.
Estas pinturas constituyen la última etapa en el desarrollo de un subgénero: el de la Venus tumbada, iniciado en la Venus dormida de Giorgione/Tiziano y continuado en La Venus de Urbino.
Las pinturas de Venus y la música han sido objeto de interpretaciones dispares, si para algunos historiadores son obras eróticas carentes de un significado más profundo, para Panofsky posee un alto valor simbólico, entendiendo la vista y el oído como instrumentos de conocimiento de la belleza.
Venus recreándose en la música tiene un contexto matrimonial.
La mujer exhibe una alianza en la mano derecha y es la única a la que no acompaña Cupido.
El jardín es una metáfora del matrimonio bien avenido, el perro aludiría a la fidelidad y el pavo real a la fecundidad.
La adquirió Felipe IV y estaba inventariada en el Alcázar de Madrid entre 1666 y 1734.
Durante el siglo XVIII colgó en el Palacio Real Nuevo, e ingresó en el Museo del Prado en 1827.
TIZIANO. VENUS, EL AMOR Y LA MÚSICA, MUSEO DEL PRADO.
Hacia 1555. Óleo sobre lienzo, 150,2 x 218,2 cm.
El artista retomaba el tema de la reunión de músicos y mujeres desnudas en un espacio abierto, abordado ya al inicio de su carrera en el Concierto campestre (París, Musée du Louvre).
Para Venus recreándose en el Amor y la Música Tiziano se basó en la versión anterior.
El cambio más importante fue la sustitución del perro por Cupido, lo que obligó a modificar la parte superior del cuerpo de la diosa y la posición de su cabeza y mano izquierda.
En el músico se cambia el rostro por el de un hombre joven.
TIZIANO. VENUS CON EL AMOR Y LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO
El paisaje, los pliegues del cortinaje y la manta de terciopelo sobre la que yace Venus son muy similares.
El cuadro de Venus recreándose en el Amor y la Música aparece citado por primera vez en 1626, en el Alcázar de Madrid.
Procede de la colección real, ingresó en el Museo en 1838.
EROS (CUPIDO), DIOS DEL AMOR
En las teogonías más antiguas, Eros es considerado un dios nacido a la par que la Tierra y surgido del Caos.
Eros es la una fuerza fundamental del mundo porque asegura la continuidad de las especies.
La tradición más utilizada en el arte le presenta como hijo de Ares y Afrodita. Con frecuencia Eros o Cupido acompaña a su madre.
Bajo los influjos de los poetas ha ido adquiriendo su iconografía habitual. Se le representa como un niño, con o sin alas, que lleva la inquietud a los corazones que hiere con sus flechas.
Bajo su apariencia inocente hay un dios poderoso, que puede producir un dolor cruel.
AFRODITA Y ARES (VENUS Y MARTE)
Afrodita se casó con Hefesto, el dios cojo, pero amaba a Ares, dios de la Guerra.
Homero cuenta como de madrugada fueron sorprendidos los amantes Afrodita y Ares por el dios Sol, quien acudió a contar la aventura a Hefesto.
Hefesto (Vulcano) preparó una trampa que consistía en una red mágica que él sólo podía accionar.
Una noche, en la que los amantes se encontraban en el lecho de Afrodita, Hefesto lanzó la red sobre ellos y llamó a todos los dioses del Olimpo, causando el espectáculo gran regocijo.
Por ruego de Poseidón, Hefesto retiró la red. Afrodita escapó avergonzada a Chipre y Ares se fue a Tracia.
De los amores de Ares y Afrodita nacieron Eros y Anteros, Deimo y Fobo (el Terror y el Temor) y Harmonía, esposa de Cadmo en Tebas.
ANTONIO CANOVA (CÍRCULO). VENUS Y MARTE. MUSEO PRADO
1820 – 1830. Mármol, 233 x 125 cm.
El Marqués de Salamanca ofreció en venta al Museo del Prado una obra de Antonio Canova, Venus y Marte, autoría con la que se adquirió y que ha sido mantenida durante décadas, pero que Pavanello en 1976, al catalogar toda la obra de Canova la consideró como copia.
Esta espectacular escultura de mármol de Carrara, representa a la diosa del Amor y la Belleza acompañada de su gran amor, Marte, el dios de la Guerra.
Venus, diosa del amor, intenta retener a Marte con su sensual mirada, atrayéndole para que no vaya a la guerra.
La fortaleza de Marte se equilibra con la belleza de Venus.
El Museo del Prado compró el 16 de junio de 1881 el grupo de Venus y Marte y un conjunto de cuadros por un alto precio, 40.000 pesetas de la época. A finales de junio esta obra había ingresado en el Museo del Prado.
Este grupo es magnífico y son muy pocos los detalles que se aprecian diferentes en relación con la primera versión marmórea de Canova en Londres, ambas de tamaño natural.
CÍRCULO DE CANOVA. VENUS Y MARTE. MUSEO DEL PRADO
La factura de la obra del Prado es menos pulida en su acabado general y varían matices como el tratamiento de los pliegues de la tela que porta Venus.
El modelado de los cuerpos es similar, así como la vinculación de la pareja a través de su intensa mirada.
VENUS Y ADONIS
El mito de Adonis es una leyenda siria a la que alude Hesíodo.
Tías, rey de Siria, tenía una hija, Mirra, a quien la cólera de Afrodita impulsó a desear un incesto con su padre.
Ayudada por su nodriza logró engañar a su padre y unirse a él durante 12 noches. La última noche su padre se dio cuenta del engaño y la persiguió con un cuchillo para matarla.
Ante el peligro Mirra invocó la protección de los dioses, quienes la escucharon y la transformaron en el árbol de la mirra.
9 meses después la corteza del árbol se levantó y de allí salió un niño al que se llamó Adonis.
Afrodita, ante la belleza del niño, se le confió en secreto a Perséfone para que le cuidara, quien se prendó del niño y se negó a devolvérselo a Afrodita.
La disputa entre las dos diosas fue zanjada por Zeus, decidiendo que Adonis pasara un tercio del año con Afrodita, otro con Perséfone y el otro con quien el deseara, que siempre era con su amada Afrodita.
Más tarde, la cólera de Artemisa o los celos de Ares lanzaron contra Adonis un jabalí, que le hirió mortalmente en una cacería.
TIZIANO. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
1554. Óleo sobre lienzo, 186 x 207 cm.
Las primeras poesías que recibió el príncipe Felipe fueron Dánae (1553, The Wellington Collection) y Venus y Adonis (1554), versiones de otras anteriores, que se convirtieron a su vez en modelos para múltiples réplicas.
Tiziano retomó el asunto veinte años después en varias composiciones, una de las cuales fue el punto de partida de la conservada en el Prado.
En esta obra, realizada en 1554, Tiziano presenta a la diosa de espaldas para demostrar, mediante la contemplación conjunta de Dánae (The Wellington Collection) y Venus y Adonis, que la pintura podía representar distintos puntos de vista, equiparándose así con la escultura.
Venus y Adonis es una obra de gran calidad, sensualidad y belleza.
La reflectografía infrarroja muestra que para Venus y Adonis Tiziano partió de la versión en Moscú (colección particular, 1542-1546).
Las figuras y las partes principales fueron trasladadas mediante un calco y dicho calco coincide con precisión con el cuadro de Moscú.
TIZIANO. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Tiziano, como era habitual al realizar réplicas, incluyó pequeños cambios en la versión de Felipe II.
Las réplicas con pequeñas variantes eran muy habituales en la época, así como la copia de obras de grandes artistas anteriores.
Los cambios más notables se aprecian sólo en superficie, en la zona del abrazo, en el perfil de Venus y el cuerpo de Adonis.
Venus y Adonis pareció a sus contemporáneos la poesía más erótica, ya que las nalgas de Venus eran la parte de la anatomía femenina que más suscitaba la imaginación masculina.
Se denominan poesías al conjunto de obras mitológicas de Tiziano que pintó para Felipe II entre 1553 y 1562, integrado por Dánae (The Wellington Collection, Apsley House), Venus y Adonis (Madrid, Museo del Prado), Perseo y Andrómeda (Londres, The Wallace Collection), Diana y Acteón y Diana y Calisto (Edimburgo, National Galleries of Scotland-Londres, National Gallery) y El rapto de Europa (Boston, Isabella Stewart Gardner Museum).
El primer documento que alude a las poesías es una carta fechada en Venecia el 23 de marzo de 1553 en la que Tiziano anuncia el envío de un retrato del entonces príncipe y que trabajaba en un proyecto conocido por ambos.
Probablemente fue el príncipe Felipe quien encargó a Tiziano en Augsburgo un conjunto de pinturas mitológicas, dándole después libertad para elegir los temas y su plasmación pictórica.
Las poesías fueron concebidas para exhibirse conjuntamente, como afirmaba Tiziano el 10-9-1554, pero no se realizaron para un espacio concreto, ya que hasta agosto de 1559 Felipe no poseyó una residencia estable.
Tiziano se preocupaba por las condiciones lumínicas de los espacios que debían acoger sus obras y la falta de referencias podría explicar la uniformidad lumínica que exhiben las poesías, donde las figuras apenas proyectan sombras, en contraste con obras contemporáneas como San Nicolás de Bari, la Transfiguración o la Anunciación, destinadas a iglesias venecianas.
Las poesías colgaron juntas en el Alcázar de Madrid. Así se citan en el siglo XVII.
Dánae y Venus y Adonis no compartían espacio, deshaciéndose así el propósito especular con que las concibió Tiziano.
VERONÉS. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Hacia 1580. Óleo sobre lienzo, 162 x 191 cm.
Como su pareja, Céfalo y Procris (Museo de Estrasburgo), ilustra un pasaje de Las Metamorfosis del poeta romano Ovidio que cuenta un amor truncado por la muerte repentina de Adonis.
VERONÉS. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Veronés muestra a Venus y Adonis en un momento de reposo y fue pintado tras una estancia en Roma.
Veronés se sirve para la figura de Cupido de una escultura helenística, El niño de la oca, mientras Adonis recuerda el Endimión de un sarcófago romano conservado en San Juan de Letrán.
Fue comprada por Velázquez durante su segundo viaje a Italia entre 1649 y 1651.
CARRACCI, ANNIBALE. VENUS, ADONIS Y CUPIDO. MUSEO PRADO
Hacia 1590. Óleo sobre lienzo, 212 x 268 cm.
Venus, diosa del Amor y la Belleza, es accidentalmente herida por su hijo Cupido con una flecha, desencadenándose así su pasión por Adonis, una historia de amor que acabara con la trágica muerte del hermoso joven.
La escena está basada en el libro X de las Metamorfosis de Ovidio.
El paisaje y la luz enlazan con el color veneciano de Tiziano, mientras que el clasicismo de las figuras fue desarrollado por Carracci a partir de la escultura greco-romana y las obras de Correggio, Rafael y Miguel Ángel.
CARRACCI, ANNIBALE. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO
Se conservan varios dibujos preparatorios para esta obra en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, en la Galería degli Uffizi en Florencia y en el British Museum en Londres, y una copia antigua en el Museum de Viena.
Es una obra maestra del menor y más reputado miembro de la familia Carracci.
Fue adquirida por Felipe IV en 1664 a los herederos del aristócrata genovés Giovanni Francesco Serra (1609-1656).
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
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Ares – Marte romano – Dios de la Guerra
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
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ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRA |
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ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRAAres es hijo de Zeus y Hera y pertenece a la segunda generación de dioses olímpicos. Es el dios de la guerra por excelencia en su aspecto más cruel y devastador, sembrando la muerte, a diferencia de Atenea. Es el espíritu de la batalla que se recrea en la sangre y la matanza. Su talla es sobrehumana y profiere gritos terribles. Generalmente combate a pie, aunque también aparece en un carro tirado por cuatro corceles. Se le representa con coraza, escudo, casco, lanza y espada. Ares habitaba en Tracia, situada al norte de Grecia y próxima a Macedonia, país semisalvaje de clima rudo, rica en caballos y poblaciones guerreras. En Tracia también moran las Amazonas, que son hijas de Ares. Los griegos, desde época homérica, se complacían en mostrar la fuerza bruta de Ares contenida o burlada por la inteligencia de Heracles o la prudencia de Atenea. Su espíritu agresivo hace que no sea un dios querido y que se le represente poco en el arte helénico, aunque tenemos algunos ejemplos como la copia romana del Ares Ludovisi de Lisipo, siglo IV a. C., teórico del arte griego que establece el canon de 8 cabezas y que le representa sentado en su carro de combate y sujetando su espada con aire pensativo. Su carácter bélico encajó mejor en Roma, donde se le rindió mayor culto y se le consideró el padre de los fundadores de la ciudad Rómulo y Remo. Según Homero era alto, fuerte, ágil y el más veloz de los dioses. La iconografía le representa como un joven imberbe y desnudo. Los animales consagrados a Ares son el perro y el buitre. La leyenda atribuye a Ares muchas aventuras amorosas, siendo las más famosas las que mantuvo clandestinamente con Afrodita, aunque también tuvo muchos hijos con mujeres, la mayoría de ellos violentos y crueles. Una de las leyendas sitúa a Eros como hijo de Ares y Afrodita.
VELÁZQUEZ. MARTE. MUSEO DEL PRADOHacia 1638. Óleo sobre lienzo, 179 x 95 cm. El dios Marte de Velázquez está documentado por primera vez en la Torre de la Parada, una residencia real de caza de Felipe IV, su afición favorita. Se decoró principalmente con temas mitológicos ovidianos encargados en 1636 a Rubens y a su taller.
Velázquez también estuvo representado en la Torre con Esopo, Menipo y varios retratos de enanos. Velázquez retrató a Marte en tamaño natural, a partir de un modelo vivo, quizá un soldado veterano, en una postura que recuerda al famoso Ares Ludovisi. El color cálido de las carnaciones da vida a la figura, que aparece bañada en una iluminación atmosférica realista, con el rostro ensombrecido por el casco. Los toques de bermellón y blanco crean un bello juego de pliegues y sombras. Como es habitual en Velázquez, hay un tratamiento cercano del mito, en el que sólo la armadura y otros atributos bélicos le relacionan con el dios romano. Marte lleva puesto el yelmo, pero la espada y la armadura yacen a sus pies. El uso de referencias a armaduras y objetos guerreros esparcidos o amontonados por el suelo tenía una larga tradición figurativa y literaria en la que hay que inscribir esta imagen. Generalmente se alude a la derrota de las armas con el Amor que todo lo vence, un tema que tuvo su expresión en la literatura y que probablemente subyace en esta pintura. (Texto extractado de Portús, J. en: El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, Museo Nacional del Prado, 2010, p. 108).
ARES LUDOVISI. PALAZZO ALTEMPS, MUSEO NACIONAL ROMANOEsta copia romana, del original griego de Lisipo, se conserva en el Palazzo Altemps, Museo Nacional Romano, en Roma (aunque también hay otra copia en el Museo de Nápoles) Es una obra de mármol, restaurado en mármol de Carrara por Bernini. Lisipo, como escultor griego buscaba un ideal de belleza basado en la proporción. Sus esculturas deben ser admiradas desde diferentes perspectivas, desvelándose nuevos aspectos en cada posición. En la estatua de Ares Ludovisi el dios de la guerra se presenta desnudo, sentado y con su espada en la mano izquierda. Se está conteniendo en su marcha, aguantando una pierna con las manos, impaciente, inquieto, como dios belicoso. Ares descansa después de haber sido tocado por su hijo Eros, el dios del Amor, que juega entre sus piernas.
RestauraciónEl aspecto que nos ha llegado de la escultura es fruto de la restauración de 1627 obra de Gian Lorenzo Bernini. Intentó recuperar la idea original de Lisipo, realizada en mármol pentélico, incorporando algunas partes perdidas en mármol de Carrara, el más similar, como la nariz del dios, la parte superior del escudo y parcialmente los pies y la cabeza de Eros. Infunde su estilo personal en la empuñadura de la espada, rematada con un duende burlón y en el recorte frontal de parte del pedestal original para dejar el pie volado, sin apoyar en el suelo, un detalle que consigue acentuar la sensación de reposo, al tiempo que el pequeño bloque eliminado sirvió al escultor para labrar otras partes mutiladas. El Ares Ludovisi recibe este nombre por haber formado parte de la grandiosa colección arqueológica reunida por el cardenal Ludovico Ludovisi, sobrino de Alessandro Ludovisi, pontífice bajo el nombre de Gregorio XV. Forma parte del Museo Nacional Romano ocupando actualmente una de las salas del Palacio Altemps de Roma. Otra copia de la escultura se conserva en el Museo Arqueológico de Nápoles. También hay una copia en yeso en la colección de Reproducciones Artísticas del Museo de Escultura de Valladolid.
LISIPO. SIGLO IV A. C. (CANON DE 8 CABEZAS)Praxíteles, Scopas y Lisipo son los grandes escultores griegos del siglo IV a.C. Lisipo trata de nuevo los temas de atletas como Mirón y Policleto en el siglo V a.C., durante el periodo Clásico o época de Pericles. El Apoxiomenos, su obra más significativa, representa a un joven quitándose la arena después de la competición. En él presentó un nuevo canon del cuerpo masculino, cuyas proporciones son más esbeltas (8 cabezas). Frente al canon de Policleto (7 cabezas) propone una cabeza más pequeña y el torso y los miembros más esbeltos y largos. No se conserva ningún original griego suyo, sólo han llegado hasta nosotros copias de época romana. Fue elegido como el escultor de la corte de Alejandro Magno.
BOTTICELLI. VENUS Y MARTE. NATIONAL GALLERY, LONDRES1483. 69 x 173,5 cm. Temple sobre tabla. Sandro Botticelli representa a Venus y Marte (Afrodita y Ares) en uno de sus encuentros amorosos. Venus vigila el sueño de su amado, mientras unos pequeños faunos, genios campestres con cuernos y pezuñas de cabra, juegan con las armas del dios. El tema se interpreta como una alegoría del amor vencido por la guerra.
El formato apaisado y la temática de esta tabla hacen pensar que estamos ante un panel para un arcón, uno de los regalos de boda más habituales entre las importantes familias florentinas. Las avispas alrededor de Marte indican que podría tratarse de un regalo para la familia Vespucci, que había adoptado la avispa en su escudo de armas. El tema de la tabla es el triunfo del amor sobre la guerra, consiguiendo Venus distraer a Marte y que los pequeños faunos utilicen sus armas como juguetes. Uno de los faunos intenta despertarle soplando una concha en su oído, mientras otros dos juegan con la lanza del dios, mientras uno se prueba el casco y el cuarto gatea con la coraza del dios. Las cintas doradas y un broche de perlas sobre el pecho adornan la blanca túnica de Venus. La armadura, el vestido, las joyas y el peinado están tomados de la moda quattrocentista florentina. Detrás de la figura de Venus hay plantas de mirto, que se cultivan por sus flores y sus hojas aromáticas. El mirto se consideraba símbolo del amor y la belleza y una de las plantas consagradas a la diosa Afrodita. El mirto simbolizaba la fecundidad y la fidelidad. Plinio el Viejo describe, en su Historia Natura ritos nupciales en los que los esposos iban coronados con mirto durante el banquete. También se emplea como anticatarral y antiséptico. El mirto estaba consagrado a Venus a causa de su olor suave, porque estaba siempre verde, o bien porque las hojas de mirto brotaban de dos en dos, igual que el amor que debe ser recíproco. Otra historia del mundo clásico relaciona el mirto con significados funerarios: Dioniso bajando al Inframundo a rescatar a su madre, Sémele, muerta por los rayos de Zeus, tuvo que dejar allí un arbusto de mirto. En el Renacimiento está ligada al matrimonio. Por su hoja perenne se asoció a la fidelidad y al amor eterno y se representó en las alegorías matrimoniales. Es considerado un símbolo del amor romántico y se emplea en decoraciones de iglesias, salones de fiestas y ramos de novia o coronas. Es astringente y antiséptico y se emplea como anticatarral y contra el asma. El mirto ayuda en la caída del cabello y forma parte de muchos champús, jabones y perfumes.
BibliografíaPierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
miriamgarciarestauracion.blogspot.com.es
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DEMÉTER (CERES ROMANA). DIOSA DE LA AGRICULTURA Y LA PROSPERIDAD
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
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DEMÉTER (CERES ROMANA)DIOSA DE LA AGRICULTURA Y LA PROSPERIDAD |
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Deméter es la segunda hija de Crono y Rea y hermana de Zeus, por lo tanto pertenece a la primera generación de dioses olímpicos. Su personalidad, religiosa y mítica, es muy distinta de la de Gea, la Tierra, concebida como elemento cosmogónico. Deméter es la diosa maternal de la tierra y de la agricultura, el trigo, la fertilidad y la abundancia. Su principal atributo es la espiga. Como diosa de la tierra cultivada, esencialmente el trigo, sus leyendas se han desarrollado en todas las regiones del mundo helénico donde prospera este cereal. Sus lugares preferidos son Eleusis y Sicilia. Deméter está estrechamente vinculada a su hija Perséfone (Proserpina). Con frecuencia se las llama “Las Diosas” y sus aventuras constituyen el mito central de su leyenda, mito cuya profunda significación era revelada en la iniciación a los misterios de Eleusis. Hades se enamoró de Perséfone, única hija de Deméter, y la raptó cuando la doncella se disponía a coger un narciso o un lirio en Sicilia. La tierra se abrió y Hades se llevó a su amada a los Infiernos. En el momento del rapto Perséfone lanzó un grito. Su madre lo oyó y le oprimió el corazón. Deméter recorrió todo el mundo durante 9 días y 9 noches buscando a su hija. Sin tomar alimento, ni ataviarse anduvo errante por el mundo con una antorcha encendida en cada mano. El décimo día encontró a Hécate, que también había oído el grito. Únicamente el Sol, que todo lo ve, puede informarle de lo ocurrido. Irritada, la diosa decidió abdicar de su función divina hasta que se le hubiese devuelto a su hija. Adoptó la figura de una anciana y se trasladó a Eleusis. En este tiempo la diosa se convirtió en nodriza de Triptólemo, hijo de Metanira, y le encomendó a este niño la difusión por el mundo del cultivo del trigo. El voluntario destierro de Deméter volvió la tierra estéril y alteró el orden del mundo, por lo que Zeus ordenó a Hades que devolviese a Perséfone. Pero esto no era posible porque la joven había roto el ayuno obligatorio del Infierno al comer un grano de granada. Finalmente se llegó a un pacto. Deméter volvería a ocupar su puesto en el Olimpo y se encargaría de sus obligaciones, si Perséfone pasaba parte del año en el Infierno y la otra con su madre. Cada primavera Perséfone sale de la mansión subterránea y las flores y frutos están en su plenitud, para volver en la época de la siembra, por eso el invierno es la estación triste y estéril. Sus lugares favoritos son Sicilia, Creta y Eleusis. Eleusis está situado a unos 20 km. de Atenas. Era la tierra natal de Esquilo y tuvo un santuario dedicado a Deméter y Perséfone en el que se celebraban uno de los cultos más importantes de la antigua Grecia: los misterios de Eleusis, que posteriormente se mantuvieron en el Imperio romano. Se la representa como una matrona que porta espigas de trigo, un lechón (cochinillo que todavía mama) o unas antorchas. En Roma se le añade el simbolismo monetario y se la suele representar con la cornucopia, vinculándose su imagen a la prosperidad del Imperio. En la Edad Moderna a menudo la acompañan los dioses Dioniso o Pan. Además algunos símbolos como la hoz, que la convierten en alegoría de la agricultura o del verano. Pan es el dios de los pastores y los rebaños. Es mitad hombre y mitad animal. Posee 2 cuernos en la frente, tiene el cuerpo velludo y los miembros inferiores son de un macho cabrío con pies provistos de pezuñas. SNYDERS, FRANS (Amberes, 1579 – Amberes, 1657) En 1593 Frans Snyders entró en el taller de Pieter Brueghel el Joven. En 1602 ingresó como maestro en el Gremio de San Lucas y, poco después, realizó un viaje a Roma y a Milán, donde trabajó para el cardenal Federico Borromeo gracias a las recomendaciones de Jan Brueghel el Joven. De regreso a Amberes, en 1610, se casó con Margarita de Vos, hermana del pintor Cornelis de Vos. A su vuelta de Italia entró en contacto con Rubens, quien proporcionaría las figuras para algunas de sus obras, a la vez que diseñaría composiciones con gran desarrollo de bodegón con la intención de que Snyders los llevase a cabo. A partir de 1620 sus cuadros son de mayor tamaño y los elementos dispuestos sobre la mesa aumentan de manera espectacular. A partir de 1630 el colorido evoluciona a tonos más claros y más variados, aunque Rubens sigue realizando las figuras de sus composiciones. La otra faceta en la que destacó Snyders fue la realización de cuadros de animales, que incluían cazas, fábulas y representaciones simbólicas, como son los conciertos de pájaros. Al igual que en sus bodegones, para estas obras trabaja al lado de Rubens, quien pinta las figuras para los animales de Snyders y viceversa. La evolución es paralela a sus bodegones, los tamaños crecen a lo largo de su carrera, tendiendo a hacerse más horizontales, contribuyendo a la vivacidad de las escenas. El interés que despertó la obra de Snyders entre coleccionistas y príncipes de toda Europa tuvo en España un epílogo de notable calidad, con su participación en las decoraciones para la Torre de la Parada, para donde realizó varias escenas de caza y fábulas. Por otra parte, los regalos de conocidos coleccionistas de pintura flamenca, como el marqués de Leganés, completaron la colección de Snyders que poseía Felipe IV y que se encontraba en el Alcázar de Madrid, lo que explica la abundante presencia de su pintura en el Prado. (Pérez Preciado, J. J. en E.M.N.P., 2006, tomo VI, pp. 2019-2020). Ceres y Pan. Snyders y Taller de Rubens. Museo del PradoHacia 1620. Óleo sobre lienzo, 178,5 x 280,5 cm. La representación de la diosa de la agricultura y las estaciones Ceres junto al dios Pan viene descrita en las obras clásicas. Ceres (Deméter) era hija de Saturno (Crono) y por lo tanto hermana de Júpiter (Zeus). Pan está vinculado con la tierra y el inicio de todo. Los dos dioses están relacionados por la naturaleza. La agricultura y la prosperidad se unen para mostrar la abundancia y la fecundidad. Ceres sujeta la cornucopia, el cuerno de la abundancia, lleno de diferentes frutas y hortalizas, mientras que Pan se inclina hacia ella con un cesto repleto de frutas. Se observan diferentes bodegones aislados por toda la composición, como en la esquina inferior derecha. Al fondo el paisaje se abre para dar mayor profundidad a la escena y vemos figuras sentadas y una mujer con un canasto en la cabeza, reforzando aún más la simbología de la obra.
Esta pintura es una colaboración entre Frans Snyders y el taller de Rubens. Estos dos artistas trabajaron juntos en numerosas obras, pintando el primero los elementos naturales y el segundo o su taller las figuras. Esta pintura formaba parte de un conjunto llegado desde Flandes para decorar la Torre de la Reina del Alcázar de Madrid. La primera referencia documental de este grupo de 26 obras aparece en el inventario del Alcázar de 1636, donde se mencionan 25 de ellas. Desconocemos si fue la reina o el rey, quien encargó estas obras, o si la idea vino de Flandes de mano de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia. Lo que parece cierto es que no se trata de un encargo cerrado a un pintor, sino más bien un conjunto de obras de diferentes artistas flamencos enviados para decorar la mencionada Torre, después de las remodelaciones llevadas a cabo allí por Juan Gómez de Mora. Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado (enero, 2015) La Agricultura. Francisco de Goya. Museo del Prado. 1804 – 1806. Temple sobre lienzo El tondo de esta alegoría de la Agricultura formó parte de la decoración de la gran escalera monumental del palacio de D. Manuel Godoy (1767-1851), Príncipe de la Paz y Primer Ministro de Carlos IV (1748-1819). El Palacio de Manuel Godoy está ubicado en la Plaza de la Marina Española 9, muy cerca del Palacio Real y del Senado, conocido como palacio Grimaldi. El edificio fue construido por Francisco Sabatini en estilo clásico barroco para albergar a personal del rey Carlos III.
Hasta nuestros días ha sido utilizado por distintos estamentos oficiales como el Ministerio de la Marina o el Museo del Pueblo español. Actualmente alberga dependencias del Ministerio de la Presidencia. Esta pintura fue encargada a Goya, entre 1801 y 1805, cuando Godoy acometió la restauración del edificio, pero no se conservan los documentos que hayan permitido conocer el año exacto de su creación. Junto a las otras tres grandes composiciones del mismo formato circular, la de la Ciencia, perdida, y las otras dos, del Comercio y la Industria, conservadas también en el Museo del Prado, se expresaban los ideales de la Ilustración, así como las ideas de progreso de las Sociedades Económicas de Amigos del País, que Godoy favoreció. Goya utilizó aquí la iconografía tradicional de la Agricultura, representada por la diosa clásica Ceres coronada de espigas, como símbolo de fecundidad. Un repinte posterior cubrió, por decoro, el desnudo de la diosa, que sentada en un paisaje tiene a sus pies dos azadones y posiblemente una guadaña, como útiles específicos de los campesinos. Sostiene en la mano izquierda un racimo de uvas y unas espigas, y en la derecha una granada, mientras un campesino arrodillado le ofrece una cesta de flores y frutas, bajo los signos zodiacales de Leo, Libra y Escorpio, que aparecen en el cielo, correspondientes a los meses más ricos de las cosechas, el verano y el otoño. BIBLIOGRAFÍA Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos. maitearte.wordpress.com |
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El Rincón de Maite 