Divinidades Mitológicas Celestes
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
|||||
DIVINIDADES MITOLOGICAS CELESTES |
|||||
|
Las principales divinidades celestes en la Mitología clásica son: 1. Helios, el Sol, 2. Selene, la Luna, 3. Eos, la Aurora, 4. Eolo, el Viento. HELIOS, EL SOL – APOLO Pertenece a la generación de los Titanes y, por tanto, es anterior a los Dioses Olímpicos. Es hermano de la Luna (Selene) y de la Aurora (Eos). Helio o Helios es la personificación del Sol, aunque se terminó asociando con Apolo, dios de la Luz.
HELIOS, DIOS DEL SOL Su esposa fue Perseis, una de las hijas de Océano y Tetis, y sus hijos más destacado fueron: 1. Circe, la maga, 2. Pasifae, esposa del rey Minos, 3. Eetes, rey de la Cólquide, 4. Perses que destronó a su hermano Eetes y fue asesinado por su sobrina Medea. 5. Faetón. Helio es el ojo del mundo, el que todo lo ve, como Dios en el Cristianismo y el ojo de Horus en Egipto. Helios revela a Hefesto el adulterio de Afrodita con Ares. Se le representa como un joven de gran belleza con cabellos dorados, que recorre el cielo en su carro tirado por una cuadriga de velocísimos corceles. Todas las mañanas, precedido del carro de Eos, la Aurora, atraviesa el cielo. Continua el viaje durante todo el día y al anochecer llega al Océano, donde se bañan sus fatigados caballos, mientras él se retira a descansar en su palacio de oro para volver a salir de madrugada. El episodio más desafortunado vinculado a Helio es el de su hijo Faetón. Faetonte o Faetón, hijo del Sol y Clímene, creció sin saber quién era su padre. Cuando se enteró que era hijo del Sol rogó a su padre que le dejase conducir su carro solar. Tras grandes dudas, Helios consintió haciéndole muchas recomendaciones. Faetón partió por el camino trazado en la bóveda celeste, pero pronto se apoderó de él un gran terror por la altura en que se hallaba. Descendió tanto que casi incendia la Tierra y después subió tanto que los astros se quejaron. Zeus, para evitar una conflagración universal, le fulminó con sus rayos. Sus hermanas, las Helíades, le lloraron tanto que fueron transformadas en álamos. Circe también es hija del Sol. Es una maga que desempeña un papel fundamental en la Odisea y en la leyenda de los Argonautas. JAN CAREL VAN EYCK, LA CAÍDA DE FAETÓN. MUSEO DEL PRADO 1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 197 x 180 cm. Amberes, ca. 1610, post. 1685 Jan Carel Van Eyck era un maestro flamenco nacido aproximadamente en 1610 y maestro de la cofradía de San Lucas en 1632-1633. A menudo es confundido con Johannes van Eyck también presente en Amberes. Pintor de temas de historia y mitología. Participó, bajo la dirección de Rubens, en 1635, en la decoración de la ciudad de Amberes con motivo de la entrada triunfante del Cardenal Infante don Fernando de Austria y en el Arco de triunfo. Este tipo de arquitecturas efímeras eran muy frecuentes en el Barroco. Fue uno de los colaboradores de Rubens en la decoración pictórica de la Torre de la Parada para Felipe IV entre 1636-1638 para el que pintó La Caída de Faetón, siguiendo el boceto de Rubens. El joven Faetón era hijo de Helios y le pidió al dios Solar poder conducir durante un día su carro. A pesar de las advertencias y de la peligrosidad de guiar a los caballos, Faetón insistió y finalmente acabó en desastre. Este tema plasma la enseñanza moral de la osadía y la irresponsabilidad de la juventud, que no es consciente del peligro. Ovidio en el Libro II de sus Metamorfosis dice que Faetón se asustó. No sabía por dónde dirigir el carro, ni qué camino tomar, por lo que enloquecido soltó las riendas. Tras sumir a la tierra en un profundo caos, Júpiter intervino lanzando sus rayos y, tal y como cuenta Ovidio, arrojó al auriga de la vida y del carro. El lienzo realizado por Jan Carel Van Eyck, sigue fielmente el boceto de Rubens, salvo en la parte derecha de la composición, cortada en el lienzo con respecto al boceto inicial. S. Alpers es la autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada hasta la fecha.
JAN CAREL VAN EYCK. LA CAÍDA DE FAETÓN. 1636 – 1638. MUSEO DEL PRADO
Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636 y 1638, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando y su hermano el rey Felipe IV. La decoración de la Torre de la Parada fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV. Dese 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 60 obras para esta casa de recreo de los Montes del Pardo. Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta la esencia moral de las historias y las actitudes de los personajes. Estos bocetos sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos. El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana, y uno adquirido en el año 2000. El Prado también conserva la mayoría de los lienzos realizados a partir de los diseños de Rubens para la decoración de este lugar, muchos de los cuadros pintados por otros artistas. SELENE, LA LUNA – ÁRTEMIS Selene es la personificación de la Luna y se la asocia con Artemisa, que con el paso del tiempo acabará reemplazando a la diosa de la Luna. Se la representa como una bella joven que recorre el cielo en su carro de plata tirado por dos caballos (Biga). Bigas, trigas y cuadrigas son carros tirados por dos, tres o cuatro caballos que se empleaban en los carros de guerra, carreras, etc. Selene suele portar una antorcha en la mano y una media luna. Selene tuvo amores con Zeus y con el dios Pan. Pero su amor más célebre es el del bello pastor Endimión, de quien tuvo 50 hijas. Selene pidió a Zeus que sumiera en un sueño eterno a Endimión, que le hiciera permanecer joven y hermoso, para poder amarle todas las noches y su deseo fue concedido. Endimión, inmortal y eternamente joven, se equipara en el arte paleocristiano con el profeta Jonás en una iconografía alusiva a la inmortalidad del alma. Jonás estuvo tres días en el vientre de la ballena, pero su fe y sus oraciones consiguieron que saliera totalmente sano del monstruo marino y se salvara.
SELENE, DIOSA DE LA LUNA
85 x 183 x 35 cm. Museo e Gipsoteca Antonio Canova, Possagno, Treviso
HÉCATE, LUNA EN SU FASE INVISIBLE Hécate desciende de la generación de los Titanes, es pues anterior a los dioses Olímpicos. Zeus le mantuvo y acrecentó sus antiguos privilegios. Extiende su benevolencia a todos los hombres, concediendo los favores que se le piden: · Prosperidad material, · Pescado en abundancia a los pescadores, · Elocuencia a los políticos, · Victoria en las batallas y en los juegos. Poco a poco la diosa sufrió una especialización en un sentido diferente. Se la considera la divinidad que preside la magia y los hechizos y está vinculada al mundo de las sombras. Se aparece a los magos y a las brujas con una antorcha en la mano o en forma de distintos animales: yegua, perra, loba, etc. Se le atribuye la invención de la hechicería. Tradiciones tardías le dan como hijas a Circe y a Medea. Hécate preside las encrucijadas y los lugares de magia por excelencia. En ellas se colocaban estatuas de una mujer de triple cuerpo y a sus pies se depositaban ofrendas. La iconografía muestra a Hécate triformis, al representarse desde el siglo V a.C. una escultura de tres mujeres que juntan las espaldas y sujetan unas antorchas. Representa a la Luna en su fase invisible, suponiéndose que estaba en los Infiernos. Su llegada se anunciaba a través de los ladridos de sus infernales perros.
HÉCATE
EOS, LA AURORA Eos es hermana de Helios y Selene y es la personificación de la Aurora. Pertenecen a la Primera Generación Divina, la de los Titanes. Es representada como una diosa cuyos dedos, color de rosa, abren las puertas del cielo al carro del sol. Es representada como una mujer joven y alada, envuelta en un fino manto, y conduciendo un carro que precede al carro de Helios para ahuyentar la oscuridad de la noche. Tuvo amores con Ares y por ello Afrodita la castigó a estar eternamente enamorada. Engendró los Vientos: Céfiro, Bóreas y Noto, así como la Estrella de la Mañana. Su hijo predilecto fue Memnón, que murió ante las murallas de Troya luchando contra Aquiles. Poéticamente se narra que las gotas de rocío de la mañana son las lágrimas que derrama la diosa por su hijo.
Su iconografía, portando el cuerpo de su querido hijo muerto, evoca el tema de la piedad en el arte cristiano. En las tumbas florentinas de Juliano y Lorenzo de Médicis, Miguel Ángel representó el Día y la Noche y el Crepúsculo y la Aurora. En el Barroco se representó el Triunfo de Aurora, como decoración apoteósica de los techos palaciegos. En el arte contemporáneo Rodin y Matisse esculpirán la imagen de la diosa.
LA AURORA, MUSEO RODIN, PARÍS
PASEO DE RECOLETOS, MADRIDEl Paseo de Recoletos fue uno de los ejes limítrofes del recinto urbano de Madrid, integrado en la gran reforma del Salón del Prado promovida por el Conde de Aranda y ejecutada por el ingeniero militar José de Hermosilla, en el reinado de Carlos III. Su denominación se debe al convento de agustinos recoletos que ocupó la zona desde 1592 a 1836, cuando fue desamortizado y demolido. El paseo se convirtió en el lugar de asentamiento de las personalidades económicamente más influyentes del momento. El edificio de Seguros La Aurora en su origen fue un palacio proyectado en 1880 como residencia de Ramón Pla Monje, un empresario y filántropo ferrolano que, tras emigrar a Cuba, se instaló en la década de 1860 en Madrid, lugar en el que permaneció hasta su muerte, el 6 de septiembre de 1892. El edificio fue diseñado por Agustín Ortiz de Villajos, importante arquitecto que se convirtió en uno de los representantes más característicos del eclecticismo madrileño. César Cañedo y Sierra, duque de Agüera, transformó significativamente el inmueble en 1918 para convertirlo en viviendas de alquiler. El arquitecto elegido en esta ocasión fue José Monasterio Arrillaga, quien añadió al edificio dos plantas más y sustituyó gran parte de la ornamentación por el programa decorativo que posee en la actualidad, de corte ecléctico con reminiscencias del barroco francés. El edificio fue entonces estructurado en viviendas independientes, una por planta, en torno a una escalera central y patio interior; se añadieron entonces nuevos servicios higiénicos, ascensor, calefacción y una escalera de servicio. En 1919 el inmueble fue alquilado a la compañía de Seguros La Aurora, la cual lo adquirió definitivamente en 1922, cerrando el patio interior para aprovechar el espacio y abriendo en el chaflán la actual puerta de acceso. En 1920 se colocó una cuadriga de bronce sobre la cúpula decorada con guirnaldas, obra del escultor Juan Adsuara. La cuádriga trataba de simbolizar la potencia económica de la compañía de seguros bilbaína, reiterado en ciertos edificios del momento, tales como la antigua sede del Banco de Bilbao en la calle de Alcalá, 16, obra del escultor bilbaíno Higinio Basterra.
CUÁDRIGA DE LA AURORA, PASEO DE RECOLETOS, 4. MADRID
LOS VIENTOS Hay muchas leyendas sobre Eolo, pero la más difundida le denomina hijo de Poseidón y Señor de los Vientos. Eolo es considerado el dios o rey de los vientos, apareciendo por primera vez en la Odisea. Cuando Ulises llegó a la isla Eolia, Eolo le recibió cordialmente y le retuvo un mes a su lado. Al partir de la isla le entregó un odre en el que estaban encerrados todos los vientos excepto uno, el que debía llevarle directamente a Ítaca. Mientras Ulises dormía, sus compañeros abrieron el odre creyendo que estaba lleno de vino, pero los vientos se escaparon desencadenando una tempestad. Eolo tenía el poder de excitar o calmar los vientos. Los cuatro vientos que cita Homero son: · Bóreas, · Noto, · Euro y · Céfiro. En Atenas se les dedicó la Torre de los Vientos, un edificio en el que cada cara simbolizaba un viento.
BÓREAS, EL VIENTO DEL NORTE Bóreas es el dios del frío viento invernal, que habitaba en Tracia, el país frío por excelencia. Es hijo de Eos (La Aurora) y hermano de Céfiro y Noto. Pertenece a la estirpe de los Titanes, seres que personifican las fuerzas de la Naturaleza. Se representaba como un hombre barbado con túnica y alas. Su iconografía más difundida es el Rapto de Oritía, Hija de Erecteo, rey de Atenas, a quien se llevó consigo a Tracia tras el rechazo de la joven.
NOTO Noto es el dios del viento del Sur, cálido y cargado de humedad. Es hijo de Eos y a diferencia de sus hermanos, Bóreas y Céfiro, no interviene en ningún mito.
EURO Euro es el viento del Sudoeste. También es hijo de Eos.
CÉFIRO Céfiro es el viento suave y apacible de Poniente. Es el más utilizado en la literatura y el arte.
RUBENS. 1620. EL RAPTO DE ORITIA. ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE VIENA. (BÓREAS RAPTA A LA JOVEN Y BELLA ORITIA)
BIBLIOGRAFÍA Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
|
|||||
Descarga el pdf aquí
|
|||||
|
|
Mis blog en el boletín de la UNED MADRID
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
||
Mis blog en el boletín de la UNED Madrid |
||
|
La UNED Madrid tiene una sección en su web llamada quienes somos, donde publican el BOLETÍN INFORMATIVO DEL CENTRO ASOCIADO A LA UNED EN MADRID. En el boletín nº 2 han publicado una reseña donde hablan de mis blog y mi trabajo. Quiero compartirlo con mis alumnos, seguidores y visitantes de los mismos agradeciendo vuestro interés y comentarios. Aquí os dejo el enlace donde se pueden encontrar los pdf de los boletines publicados hasta el momento y la posibilidad de verlo online en esta entrada. La reseña está publicada en la página 11 de este enlace. https://www.unedmadrid.es/index.php/quienes-somos/media/2017-12-04-08-10-41 |
||
|
|
||
|
|
Ares – Marte romano – Dios de la Guerra
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
||
ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRA |
||
|
ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRAAres es hijo de Zeus y Hera y pertenece a la segunda generación de dioses olímpicos. Es el dios de la guerra por excelencia en su aspecto más cruel y devastador, sembrando la muerte, a diferencia de Atenea. Es el espíritu de la batalla que se recrea en la sangre y la matanza. Su talla es sobrehumana y profiere gritos terribles. Generalmente combate a pie, aunque también aparece en un carro tirado por cuatro corceles. Se le representa con coraza, escudo, casco, lanza y espada. Ares habitaba en Tracia, situada al norte de Grecia y próxima a Macedonia, país semisalvaje de clima rudo, rica en caballos y poblaciones guerreras. En Tracia también moran las Amazonas, que son hijas de Ares. Los griegos, desde época homérica, se complacían en mostrar la fuerza bruta de Ares contenida o burlada por la inteligencia de Heracles o la prudencia de Atenea. Su espíritu agresivo hace que no sea un dios querido y que se le represente poco en el arte helénico, aunque tenemos algunos ejemplos como la copia romana del Ares Ludovisi de Lisipo, siglo IV a. C., teórico del arte griego que establece el canon de 8 cabezas y que le representa sentado en su carro de combate y sujetando su espada con aire pensativo. Su carácter bélico encajó mejor en Roma, donde se le rindió mayor culto y se le consideró el padre de los fundadores de la ciudad Rómulo y Remo. Según Homero era alto, fuerte, ágil y el más veloz de los dioses. La iconografía le representa como un joven imberbe y desnudo. Los animales consagrados a Ares son el perro y el buitre. La leyenda atribuye a Ares muchas aventuras amorosas, siendo las más famosas las que mantuvo clandestinamente con Afrodita, aunque también tuvo muchos hijos con mujeres, la mayoría de ellos violentos y crueles. Una de las leyendas sitúa a Eros como hijo de Ares y Afrodita.
VELÁZQUEZ. MARTE. MUSEO DEL PRADOHacia 1638. Óleo sobre lienzo, 179 x 95 cm. El dios Marte de Velázquez está documentado por primera vez en la Torre de la Parada, una residencia real de caza de Felipe IV, su afición favorita. Se decoró principalmente con temas mitológicos ovidianos encargados en 1636 a Rubens y a su taller.
Velázquez también estuvo representado en la Torre con Esopo, Menipo y varios retratos de enanos. Velázquez retrató a Marte en tamaño natural, a partir de un modelo vivo, quizá un soldado veterano, en una postura que recuerda al famoso Ares Ludovisi. El color cálido de las carnaciones da vida a la figura, que aparece bañada en una iluminación atmosférica realista, con el rostro ensombrecido por el casco. Los toques de bermellón y blanco crean un bello juego de pliegues y sombras. Como es habitual en Velázquez, hay un tratamiento cercano del mito, en el que sólo la armadura y otros atributos bélicos le relacionan con el dios romano. Marte lleva puesto el yelmo, pero la espada y la armadura yacen a sus pies. El uso de referencias a armaduras y objetos guerreros esparcidos o amontonados por el suelo tenía una larga tradición figurativa y literaria en la que hay que inscribir esta imagen. Generalmente se alude a la derrota de las armas con el Amor que todo lo vence, un tema que tuvo su expresión en la literatura y que probablemente subyace en esta pintura. (Texto extractado de Portús, J. en: El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, Museo Nacional del Prado, 2010, p. 108).
ARES LUDOVISI. PALAZZO ALTEMPS, MUSEO NACIONAL ROMANOEsta copia romana, del original griego de Lisipo, se conserva en el Palazzo Altemps, Museo Nacional Romano, en Roma (aunque también hay otra copia en el Museo de Nápoles) Es una obra de mármol, restaurado en mármol de Carrara por Bernini. Lisipo, como escultor griego buscaba un ideal de belleza basado en la proporción. Sus esculturas deben ser admiradas desde diferentes perspectivas, desvelándose nuevos aspectos en cada posición. En la estatua de Ares Ludovisi el dios de la guerra se presenta desnudo, sentado y con su espada en la mano izquierda. Se está conteniendo en su marcha, aguantando una pierna con las manos, impaciente, inquieto, como dios belicoso. Ares descansa después de haber sido tocado por su hijo Eros, el dios del Amor, que juega entre sus piernas.
RestauraciónEl aspecto que nos ha llegado de la escultura es fruto de la restauración de 1627 obra de Gian Lorenzo Bernini. Intentó recuperar la idea original de Lisipo, realizada en mármol pentélico, incorporando algunas partes perdidas en mármol de Carrara, el más similar, como la nariz del dios, la parte superior del escudo y parcialmente los pies y la cabeza de Eros. Infunde su estilo personal en la empuñadura de la espada, rematada con un duende burlón y en el recorte frontal de parte del pedestal original para dejar el pie volado, sin apoyar en el suelo, un detalle que consigue acentuar la sensación de reposo, al tiempo que el pequeño bloque eliminado sirvió al escultor para labrar otras partes mutiladas. El Ares Ludovisi recibe este nombre por haber formado parte de la grandiosa colección arqueológica reunida por el cardenal Ludovico Ludovisi, sobrino de Alessandro Ludovisi, pontífice bajo el nombre de Gregorio XV. Forma parte del Museo Nacional Romano ocupando actualmente una de las salas del Palacio Altemps de Roma. Otra copia de la escultura se conserva en el Museo Arqueológico de Nápoles. También hay una copia en yeso en la colección de Reproducciones Artísticas del Museo de Escultura de Valladolid.
LISIPO. SIGLO IV A. C. (CANON DE 8 CABEZAS)Praxíteles, Scopas y Lisipo son los grandes escultores griegos del siglo IV a.C. Lisipo trata de nuevo los temas de atletas como Mirón y Policleto en el siglo V a.C., durante el periodo Clásico o época de Pericles. El Apoxiomenos, su obra más significativa, representa a un joven quitándose la arena después de la competición. En él presentó un nuevo canon del cuerpo masculino, cuyas proporciones son más esbeltas (8 cabezas). Frente al canon de Policleto (7 cabezas) propone una cabeza más pequeña y el torso y los miembros más esbeltos y largos. No se conserva ningún original griego suyo, sólo han llegado hasta nosotros copias de época romana. Fue elegido como el escultor de la corte de Alejandro Magno.
BOTTICELLI. VENUS Y MARTE. NATIONAL GALLERY, LONDRES1483. 69 x 173,5 cm. Temple sobre tabla. Sandro Botticelli representa a Venus y Marte (Afrodita y Ares) en uno de sus encuentros amorosos. Venus vigila el sueño de su amado, mientras unos pequeños faunos, genios campestres con cuernos y pezuñas de cabra, juegan con las armas del dios. El tema se interpreta como una alegoría del amor vencido por la guerra.
El formato apaisado y la temática de esta tabla hacen pensar que estamos ante un panel para un arcón, uno de los regalos de boda más habituales entre las importantes familias florentinas. Las avispas alrededor de Marte indican que podría tratarse de un regalo para la familia Vespucci, que había adoptado la avispa en su escudo de armas. El tema de la tabla es el triunfo del amor sobre la guerra, consiguiendo Venus distraer a Marte y que los pequeños faunos utilicen sus armas como juguetes. Uno de los faunos intenta despertarle soplando una concha en su oído, mientras otros dos juegan con la lanza del dios, mientras uno se prueba el casco y el cuarto gatea con la coraza del dios. Las cintas doradas y un broche de perlas sobre el pecho adornan la blanca túnica de Venus. La armadura, el vestido, las joyas y el peinado están tomados de la moda quattrocentista florentina. Detrás de la figura de Venus hay plantas de mirto, que se cultivan por sus flores y sus hojas aromáticas. El mirto se consideraba símbolo del amor y la belleza y una de las plantas consagradas a la diosa Afrodita. El mirto simbolizaba la fecundidad y la fidelidad. Plinio el Viejo describe, en su Historia Natura ritos nupciales en los que los esposos iban coronados con mirto durante el banquete. También se emplea como anticatarral y antiséptico. El mirto estaba consagrado a Venus a causa de su olor suave, porque estaba siempre verde, o bien porque las hojas de mirto brotaban de dos en dos, igual que el amor que debe ser recíproco. Otra historia del mundo clásico relaciona el mirto con significados funerarios: Dioniso bajando al Inframundo a rescatar a su madre, Sémele, muerta por los rayos de Zeus, tuvo que dejar allí un arbusto de mirto. En el Renacimiento está ligada al matrimonio. Por su hoja perenne se asoció a la fidelidad y al amor eterno y se representó en las alegorías matrimoniales. Es considerado un símbolo del amor romántico y se emplea en decoraciones de iglesias, salones de fiestas y ramos de novia o coronas. Es astringente y antiséptico y se emplea como anticatarral y contra el asma. El mirto ayuda en la caída del cabello y forma parte de muchos champús, jabones y perfumes.
BibliografíaPierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
miriamgarciarestauracion.blogspot.com.es
|
||
|
|
||
|
|
Croacia de Norte a Sur – Viaje Cultural en junio de 2018
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
||
Croacia de Norte a SurViaje Cultural del 15 al 24 de junio de 2018Historia – Arte – Naturaleza
|
|
|
En los últimos 10 años Croacia ha reconstruido su infraestructura y revitalizado su imagen para vestir el eslogan “El Mediterráneo, tal como era”: calidad antes que cantidad, apuesta por el medioambiente, equilibrio entre el ritmo de vida local y la llegada de turistas, no demasiadas construcciones cerca de la línea de costa y en las islas y encantadoras ciudades llenas de historia y cultura. Todo ello conviviendo en perfecta armonía. Croacia es un país de carácter amable y acogedor, rasgos que le convierten en un destino más que interesante para el viajero que disfruta de Mediterráneo en perfecta paz y tranquilidad. Su relieve montañoso, que separa el interior del extenso litoral del Mar Adriático, es uno de los rasgos que le convierten en un país sin duda hermoso, con unas bellezas naturales y un patrimonio artístico único.
Los principales ríos son el Danubio, el Drava y el Sava. Estado independiente de Europa que hasta enero de 1992 formó parte de Yugoslavia. Su capital, Zagreb, es el principal centro administrativo, industrial y cultural del país. Tiene un importante patrimonio artístico, diseminado a lo largo y ancho del país en sus numerosos pueblos y ciudades, que se concentra especialmente en una de sus ciudades más importantes:
Hay muchos motivos para visitar Croacia y algunos de ellos son sus seis lugares declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO:
Sin olvidar también: Sus ocho Parques Nacionales y diez Parques Naturales donde su variada naturaleza se muestra en todo su esplendor.
Su litoral, que serpentea desde la Península de Istria hasta el sur de Dalmacia, dejando bellas calas y acantilados. Sus islas, como Hvar o Korcula, en Dalmacia o Rab y Losinj en la bahía de Kvarner, que en ocasiones se agrupan en archipiélagos tan interesantes como los de Brijuni o Kornati. La variedad de la oferta turística en Croacia va más allá de las bellas ciudades Dubrovnik o Split. Más información en el documento completo del viaje… |
||
Descarga el pdf aquí
|
||
|
|
El Rincón de Maite 