Palacio de Versalles
María Teresa García PardoDoctora en Historia del Arte |
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Palacio de Versalles |
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conjunto del palacio y parque de Versalles
Versalles – Plano Jean Delagrive
VERSALLES, REDESCUBIERTO
Luis XIV (5 de septiembre de 1638 – 1 de septiembre de 1715) se dirigió a Versalles, en 1664, donde existía un palacio de caza creado por su padre Luis XIII.
Luis XIV quiere manifestar su poder y proveer de placer en las fiestas de Versalles, donde se disfrutan los banquetes, fuegos artificiales y obras de teatro de Molière.
El primer parque de Versalles estaba formado por 39 fuentes y 330 animales, que formaban un espectacular bestiario. Cada fuente representa una fábula. Actualmente se utilizan los establos reales para restaurar las esculturas de los jardines.
Fuente dedicada a Francia como vencedora de España y el Sacro Imperio
Entre 1673-75 se construyó el laberinto que era intrigante, barroco y elegante.
Lo más destacado de los jardines era la Gruta de Tetis.
En el canto XVI de La Ilíada, el mito Homérico dice que los dioses y todas las criaturas se originaron en la corriente de Océano y Tetis, que fue la madre de todos sus hijos.
Océano es el primogénito de los Titanes, hijo de Urano y Gea y forma pareja con su hermana la Titánide Tetis, que representa la fecundidad femenina del mar.
Océano es la personificación del agua que rodea el mundo de Este a Oeste y de Norte a Sur, según la concepción helenística, anterior a los dioses Olímpicos.
El aspecto de la gruta se ha recreado en la actualidad de forma virtual encajando las esculturas. Luis XIV es ensalzado en la figura de Apolo, dios de la Luz, identificado con el dios del Sol.
El conjunto escultórico de Apolo es de mármol de carrara. La cabeza de Apolo se hacía coincidir con el disco Solar, a modo de halo divino.
Versalles – Apolo
Esta gruta era mostrada con orgullo a los invitados. En este mundo Luis XIV era el señor absoluto. El rumor del agua y la recreación de los cantos de los pájaros convertían esta gruta en un entorno mágico.
En la gruta el rey celebraba banquetes y conciertos y recibía a los embajadores, identificándose con Apolo. Versalles es el palacio del rey sol, de Apolo.
En 1668 Versalles era una residencia real más. Es una mansión con una explanada ovalada construida por Le Vau. Pero 10 años después su gran cambio la convierte en el primer palacio de occidente.
El proyecto de Versalles fue un caos desde el principio, porque se mantuvo el edificio de Luis XIII. Actualmente se ha encontrado una base estructural que refuerza la teoría de la existencia de un pasaje cubierto para carruajes.
Los únicos dibujos de la fachada completa con la ampliación de Le Vau están en el Museo de Suecia. Los nuevos edificios encargados por Luis XIV envuelven el viejo castillo de su padre.
En 1669 se anuncia una ampliación de Versalles para alojar a los cortesanos. Luis XIV quiere un suntuoso proyecto imperecedero que integre el castillo de Luis XIII entre el patio de armas y la fachada de los jardines.
La unión de ambos edificios es perceptible en el ático, donde quedan molduras, frisos y ventanas separadas 3,33 metros y las pilastras también separada entre ellas 3,33 metros. Por lo que el viejo castillo de Luis XIII marca el módulo y las normas para que el nuevo edificio amplíe su estructura.
Francia se convierte durante el reinado de Luis XIV en la primera potencia europea y Versalles debe servir a su esplendor político.
El caos de las obras era algo cotidiano. Se mandó construir la Escalera de los Embajadores para impresionar a los mandatarios europeos, pero fue demolida durante el reinado de Luis XV.
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1752 maqueta de la Escalera de los embajadores o Gran Peldaño del Rey
Su impacto fue tan grande que se hizo una réplica en Alemania. El rey Luis II de Baviera la copió porque era un gran admirador de Luis XIV y de Versalles.
La escalera de los Embajadores y la Galería de los espejos son lo más destacado e impactante de Versalles, donde el poder se plasmó en piedra.
En 1678 se construyó la Galería de los espejos con 73 metros de longitud y 357 espejos para deslumbrar a cortesanos y visitantes.
Galería de los espejos
El techo de la Galería de los espejos se decidió decorar con escenas mitológicas con Apolo y Hércules. Pero el rey cambió de opinión y decidió que plasmaran sus proezas y triunfos militares:
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· La unión del Atlántico y el Mediterráneo
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· La guerra contra Holanda
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· El asedio de Gante, etc.
Luis XIV aparece en la bóveda rememorando a Zeus, dios supremo del Olimpo, montado sobre un águila, con los rayos en la mano derecha y el escudo de Atenea con la cabeza de Medusa en la izquierda.
Versalles – galería de los espejos Luis XIV como Zeus detalle general
Cuando decidió que Versalles se convirtiera en la Corte, 36.000 hombres trabajaban allí, ya que debía alojar a la familia real, a los ministros y a los cortesanos.
En mayo de 1682 se traslada la Corte a un palacio en obras y sin acabar. Era una ciudad en miniatura. Para alojarse en Versalles había que pertenecer a la familia real o tener un importante cargo.
detalle – galería de los espejos Luis XIV como Zeus
Desde la entrada principal se accede por la escalera a la planta superior. Las vistas a los jardines eran un privilegio exclusivo para la realeza, frente a los cortesanos.
La familia real se alojaba en la zona central del palacio. Incluso una duquesa se desplazaba en un palanquín por el palacio, silla para llevar en ellas a las personas importantes.
Los cortesanos de diferentes rangos ocupaban el ala superior en habitaciones pequeñas. Los cortesanos de clase inferior no disponían de vistas, que eran privilegio de los más destacados.
Las 5 salas de los baños en la planta baja se crearon con mármoles de primera calidad y bronce dorado, pero desgraciadamente no se conservan.
Sólo se conserva la gran bañera, de 3 metros de diámetro, que podía ser utilizada por varias personas y está realizada en mármol de Flandes. El baño se concibe como lugar de relax y placer.
Los emperadores romanos vivían en suntuosos palacios de mármol y Luis XIV quiere emularlos con estancias con bellísimos mármoles. Estos mármoles se fueron retirando de forma gradual y en la actualidad no queda nada de su antiguo esplendor.
Luis XIV quería fuentes en sus jardines, porque son un placer para la vista y un alarde de poder. Pero el agua escaseaba y el rey mandó construir acueductos:
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En 1681, en la orilla izquierda del Sena se construyó un artilugio con 14 ruedas que bombea el agua a un acueducto, pero resultó insuficiente, porque aportaba la mitad del caudal necesario.
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Entonces el rey mandó construir un acueducto enorme para traer agua de un río a 80 Km. de distancia, que tuvo que desecharse por su complicación.
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Finalmente, sus ingenieros construyeron 35 kilómetros de conductos que aprovechan la pendiente del terreno y la gravedad para transportar el agua. Actualmente siguen en funcionamiento.
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El objetivo de Versalles era resplandecer sin importar el coste económico, ni humano.
En 1701 el rey cumplió 63 años y se convirtió en el actor principal de un espectáculo diario de protocolo en su habitación privada. Fue su dormitorio número 13 en el palacio
En 1710 se consagra, la 5 y definitiva capilla de Versalles, que es una obra maestra, pero rompe la simetría del conjunto. Parece inspirarse en la Santa Capilla de París mandada construir en el siglo XIII por el rey San Luis de Francia.
1675 Rapto de Proserpina en el bosquete de la Columnata – Francois Girardon
Capilla de Versalles. Exterior
La capilla demuestra el carácter cristiano del monarca en la última etapa de su vida, que desea dejar un legado dinástico y un destino divino. Este edificio es su testamento espiritual y fue la edificación más cara de Versalles.
Capilla de Versalles. Interior
En el verano de1715 el rey sufrió un gran dolor en la pierna que provocará una gangrena que le provocará la muerte el domingo 1 de septiembre de 1715, a punto de cumplir 77 años.
Versalles fue un suntuoso palacio que sirvió a sus fines políticos y con un esplendor imperecedero, a pesar de haber perdido gran parte de su suntuosidad interior.
1710 – La Capilla Real
DOCUMENTACIÓN
Órdenes y espacio: sistemas de expresión de la arquitectura moderna (siglos XV-XVIII). Consuelo Gómez y Ester Alegre. 2017
Resumen del documental “Versalles redescubierto, el palacio desaparecido”.
maitearte.wordpress.com
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Apolo, Dios de la Luz
APOLO, DIOS DE LA LUZ
María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
Apolo es hijo de Zeus y Leto y hermano gemelo de Ártemis, perteneciendo a la Segunda generación de dioses Olímpicos.
En latín el dios es llamado Febo, sin el aditamento de Apolo.
Cuando Leto estaba encinta de los divinos gemelos, la celosa Hera prohibió que en cualquier lugar de la tierra le fuese ofrecido un asilo para poder dar a luz.
Leto anduvo errante, sin poder detenerse jamás, hasta que finalmente Ortigia, que hasta entonces había sido una isla flotante y estéril y que no temía la cólera de Hera, consintió en acogerla y cambió su denominación por Delos, la Brillante, porque en ella nació Apolo, el dios de la Luz.
Otra leyenda dice que Bóreas, por orden de Zeus, condujo a la joven a Posidón, quien levantando las olas del mar creó una bóveda líquida encima de la isla para que Leto pudiese dar a luz.
Los dolores de parto le duraron a Leto 9 días y 9 noches.
Todas las diosas acudieron a ayudar a Leto, salvo Hera y su hija Ilitía, la diosa de los alumbramientos que se había quedado en el Olimpo y su ausencia impedía el parto.
Finalmente, las demás diosas enviaron a Iris como mensajera, prometiendo a Ilitía un collar de oro y ámbar. Este regalo la decidió a acudir en ayuda de Leto para que nacieran los divinos gemelos.
En el momento del nacimiento de Apolo, unos cisnes sagrados volaron sobre la isla, dando 7 vueltas a su alrededor, pues era el séptimo día del mes.
Inmediatamente, Zeus envió regalos a su hijo: una mitra de oro, una lira y un carro tirado por cisnes.
Después le ordenó que fuese a Delfos en verano, en medio de fiestas y cantos, festejando su llegada la Naturaleza. Las cigarras y los ruiseñores cantaban en su honor y las fuentes fueron más cristalinas.
En Delfos mató con sus flechas al dragón Pitón, que protegía el oráculo de Temis, que provocaba graves desmanes.
Al igual que su hermana Ártemis, con su arco y sus flechas, podía enviar una muerte rápida y dulce.
Después se apoderó del Oráculo y consagró un trípode en el santuario. El trípode es un símbolo de Apolo y sentada sobre él, la Pitia, pronuncia sus oráculos.
Era un dios muy hermoso, alto y con largos bucles negros de reflejos azulados, como los pétalos del pensamiento.
Apolo era un dios bellísimo que tuvo numerosos amores con Ninfas y mortales.
APOLO Y DAFNE
Apolo amó a la ninfa Dafne, hija del dios-río Peneo.
El rencor de Eros le había inspirado esta pasión, irritado por las mofas de Apolo, que se burlaba de él por utilizar el arco, que era el instrumento por excelencia de Apolo.
La ninfa Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas. Apolo la persiguió y cuando estaba a punto de alcanzarla dirigió una plegaria que le permitiese escapar.
Su padre la transformó en laurel, árbol consagrado a Apolo.
BERNINI, APOLO Y DAFNE.
(1622-25) mármol de Carrara 243 cm. Galería Borghese.
Fue el dios que personificó la juventud y la belleza masculina. El de la luz, identificándose con el Sol.
Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.
Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas. Pero Apolo la perseguía y cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria que fue escuchada transformándose en laurel (en griego árbol sagrado de Apolo).
El conjunto escultórico de Gian Lorenzo Bernini de la Galería Borghese, muestra este momento, como si fuese una instantánea fotográfica.
El árbol de Apolo era el laurel, cuyas hojas masticaba su sacerdotisa en sus trances proféticos. Apolo se manifestaba a través de ella en el Oráculo de Delfos, lugar que tuvo gran trascendencia en el mundo helénico.
Gian Lorenzo Bernini creó para el cardenal Scipione Borghese una obra maestra sin precedentes que representa la metamorfosis en laurel de Dafne, perseguida por Apolo, dios de la luz.
La obra de mármol, iniciada por Bernini a los 24 años, entre 1622 y 1625, estaba situada en la misma habitación de la Villa que ahora, pero originalmente estaba sobre una base baja y estrecha, apoyada contra la pared hacia la escalera.
Apolo corre y la ninfa inicia su metamorfosis: la corteza envuelve gran parte del cuerpo, pero la mano de Apolo, según los versos de Ovidio, debajo de la madera oye el latido del corazón. Así que la escena se cierra, Dafne se ha convertido en un laurel para escapar del dios.
La presencia de esta fábula mitológica en la casa del cardenal tiene una justificación moral compuesta en latín por el cardenal Barberini (futuro Papa Urbano VIII) y grabada en la base, que dice quién ama las fugaces diversiones al final encontrará hojas y bayas en su mano.
En 1785 Marcantonio IV Borghese colocó la obra en el centro de la sala, Vincenzo Pacetti diseñó la base actual con las piezas originales y añadiendo el águila Borghese, esculpido por Lorenzo Cardelli.
Apolo era un dios muy hermoso que tuvo numerosos amores con Ninfas y con mortales.
Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.
Apolo y Dafne – Bernini – Sala III – Villa Borghese – Viaje a Roma 2017
Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas. Pero como Apolo la perseguía, cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria que fue escuchada transformándose en laurel (en griego árbol sagrado de Apolo). El conjunto escultórico de Bernini, que se encuentra en la Galería Borghese de Roma, muestra este momento.
El árbol de Apolo era el laurel, cuyas hojas masticaba su sacerdotisa en sus trances proféticos. Apolo se manifestaba a través de ella en el Oráculo de Delfos, lugar que tuvo gran trascendencia en el mundo helénico.
APOLO Y MARSIAS
Es un dios benévolo, pero también puede ser terrible como cuando el sátiro Marsias le desafió con la flauta y Apolo le venció y mandó desollarle después de colgarle de un pino.
Atenea inventó la doble flauta (aulós), pero al ver en un arroyo como se deformaban sus mejillas cuando tocaba el instrumento, le arrojó lejos de sí y lo recogió Marsias, que se convirtió en un gran flautista, recordemos el conjunto escultórico del siglo V a.C. Atenea y Marsias, de Mirón, que recoge este suceso.
Sileno es un nombre genérico que se da a los sátiros llegados a la vejez. Los sátiros son genios de la naturaleza que forman parte del cortejo de Dionisos, bebiendo, bailando y persiguiendo a las ménades y a las ninfas.
Los sátiros suelen representarse con torso de hombre y los miembros inferiores de macho cabrío, una larga cola semejante a la de los caballos y un miembro viril perpetuamente erecto. Con el tiempo los miembros inferiores también se convierten en humanos y sólo queda la cola como testimonio de su forma.
Marsias creía que la música de su flauta era la más bella del mundo y desafió al dios Apolo a producir con su lira otra comparable. Apolo aceptó el reto con la condición de que el vencedor tuviera libertad para tratar al vencido a su antojo.
Apolo desafió a Marsias a tocar el instrumento en posición invertida, como lo hacia él con la lira. Marsias fue vencido y mandó colgarle de un pino y desollarle. Después Apolo se arrepintió y rompió la lira. Según otras versiones transformó a Marsias en un río.
Es un tema muy tratado en el arte. José de Ribera, el españoleto, le trabajó magistralmente.
Apolo y Marsias
1760 – 1770. Pasta tierna, 32 x 21 cm.
En 1759, Carlos III de Borbón heredó la corona de España por la muerte de su hermano Fernando VI.
Al trasladarse a Madrid los monarcas trajeron consigo la fábrica de porcelana de Capodimonte, fundada en 1743, y quedó instalada en los jardines del Buen Retiro.
APOLO Y MARSIAS. MUSEO DEL PRADO
Desde 1760 a 1770 se llevaron a cabo obras extraordinarias en las salas de los palacios de Aranjuez en estilo chinesco y Madrid. Además de una serie magnífica de jarrones y figuras.
A esta primera etapa pertenece el grupo mitológico Apolo y Marsias. Realizado en pasta tierna con esmalte blanco cremoso.
Marsias, atado con cuerdas a un árbol del cual pende la flauta, grita de dolor, mientras Apolo, sentado en una roca sobre el manto, con la lira a sus pies, empieza a arrancarle la piel con un cuchillo.
Faltan los dedos de la mano izquierda de Marsias y parte de la barba. Corresponde a la primera época de fabricación (1760-1770).
APOLO Y ASCLEPIO
Asclepio, el Esculapio romano, a quien el centauro Quirón le enseñó el arte de la Medicina, es también hijo de Apolo.
Píndaro nos cuenta que Apolo había amado a Corónide, hija del rey tesalio Flegias, a la que hizo concebir un hijo. Pero durante el embarazo, ella cedió al amor con un mortal y Apolo mató a la mujer infiel. En el momento en que la madre de Asclepio, era colocada sobre la pira funeraria, Apolo arrancó de su seno al niño, vivo aún. Según esta tradición así fue el nacimiento de Asclepio.
Asclepio fue confiado por su padre al sabio centauro Quirón, quien le enseño Medicina. Muy pronto adquirió gran habilidad en este arte, hasta el extremo de descubrir la manera de resucitar a los muertos.
Había recibido de Atenea la sangre vertida de las venas de la Gorgona. Las del lado izquierdo vertían un veneno violento, pero la del lado derecho era salutífera y Asclepio sabía utilizarla para devolver la vida a los muertos. El número de personas que resucitó era considerable y Zeus, temiendo que Asclepio desbaratase el orden del mundo, le fulminó con un rayo y fue convertido en constelación.
El arte de la Medicina era practicado por los Asclepíadas o descendientes de Asclepio. El más célebre fue Hipócrates, cuya familia descendía del dios.
Los atributos más comunes de Asclepio son unas serpientes enrolladas en un bastón.
APOLO – HIACINTO
Apolo también amó a un joven de gran belleza, Hiacinto.
Un día en el que los dos estaban lanzando el disco, el celoso viento le desvió y mató a Hiacinto en el acto.
Según algunos autores el responsable de la tragedia fue Céfiro, rival de Apolo en sus amores por Hiacinto, quien habría desviado el disco para vengarse de ambos.
Otras veces este acto se atribuye a Bóreas, también enamorado del hermoso Hiacinto.
Bóreas, es el dios del frío viento invernal, y se representaba como un hombre barbado con túnica y alas.
Apolo, consternado, inmortalizó el nombre de su amigo transformando la sangre que había brotado de su herida en una nueva flor, el Jacinto.
APOLO – HIACINTO. PALACIO DE VERSALLES
APOLO SAURÓCTONO
Praxíteles, en el siglo IV a.C., hizo una escultura de Apolo sauróctono en bronce, como un pastor efebo que se dispone a coger una lagartija que trepa por un árbol.
El original se perdió y la conocemos gracias a copias hechas en época romana, muy habitual con las esculturas de la Grecia clásica.
Varias de estas copias forman parte de colecciones de arte antiguo en el museo del Louvre, París, o en los Museos Vaticanos, Roma.
APOLO SAURÓCTONO. TALLER ROMANO
Praxíteles marca la curva praxiteliana en la escultura, al igual que en el Hermes con el niño Dionisos.
La curva de Apolo y el tronco sirven de soporte a escultura.
ATRIBUTOS
Apolo personifica la juventud y la belleza masculina. Es el dios de la fuerza física y de la Luz, identificándose con el Sol.
Es el patrón de la poesía y de la música, tocando la lira en su corte del Monte Parnaso, rodeado de las 9 Musas.
FUENTE DE APOLO, MADRID
Apolo habitaba en el Parnaso o en Delfos y fue equiparado al Sol como Apolo Helios, guiando su carro solar.
El dios ocupa un lugar destacado en la propaganda política de Luis XIV, el Rey Sol, en Versalles.
Sus atributos son el arco y las flechas, siendo capaz de enviar desde muy lejos, al igual que su hermana Ártemis, una muerte rápida y dulce.
Fue benefactor de la música y la poesía, artes que elevan el espíritu de dioses y humanos, y su atributo es la lira.
En el Renacimiento Rafael le sitúa en el Parnaso rodeado de las Musas como emblema de la armonía.
Apolo encarna el orden en contraposición a Dionisos.
Es frecuente representar al dios de la Luz con la cabeza envuelta en un halo luminoso.
APOLO DEL BELVEDERE, MUSEOS VATICANOS
La estatua formaba parte de la colección que el cardenal Giuliano della Rovere tenía en su palacio en Santi Apostoli.
Fue elegido papa con el nombre de Julio II (1503-1513) y la escultura fue trasladada al Vaticano.
La obra data de mediados del siglo II d.C. y se considera hoy una copia del bronce realizado entre los años 330 y 320 a.C. por Leocares, uno de los artistas que trabajaron en el Mausoleo de Halicarnaso.
El dios Apolo aparece como si acabara de utilizar su arco vibrante que debía de empuñar con la mano izquierda para disparar con la derecha.
Muy admirada desde su colocación en el Patio de las Estatuas, debe su fama a Johann Joachim Winckelmann, quien la consideraba una sublime expresión del arte griego.
Apolo – Belvedere – Pio-Clementino
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
museivaticani.va
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Artemisa (Diana en Roma) Diosa de la Castidad y de la Caza
ÁRTEMIS O ARTEMISA (DIANA EN ROMA)
DIOSA DE LA CASTIDAD Y DE LA CAZA
María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
DIANA – ARTEMISA EN EL MUSEO DEL LOUVRE
LETO Y NÍOBE
Ártemis o Artemisa y su hermano gemelo Apolo eran hijos de Zeus y Leto.
Leto pertenece a la primera generación de divina, ya que es hija del Titán Ceo y la Titánide Febe, por lo tanto Asteria y Ortigia son sus hermanas.
Cuando Leto estaba encinta de los divinos gemelos, la celosa Hera prohibió que en cualquier lugar de la tierra le fuese ofrecido un asilo para poder dar a luz.
Leto anduvo errante, sin poder detenerse jamás, hasta que finalmente Ortigia, que hasta entonces había sido una isla flotante y estéril y que no temía la cólera de Hera, consintió en acogerla.
Como recompensa la isla quedó fijada sólidamente al mar por 4 grandes columnas.
También cambió su denominación de Ortigia por Delos, la Brillante, porque en ella nació Apolo, el dios de la Luz.
Otra leyenda dice que Bóreas, por orden de Zeus, condujo a la joven a Posidón, quien levantando las olas del mar creó una bóveda líquida encima de la isla para que Leto pudiese dar a luz.
Los dolores de parto le duraron a Leto 9 días y 9 noches.
Todas las diosas acudieron a ayudar a Leto, salvo Hera y su hija Ilitía, la diosa de los alumbramientos que se había quedado en el Olimpo y su ausencia impedía el parto.
Finalmente, las demás diosas enviaron a Iris como mensajera, prometiendo a Ilitía un collar de oro y ámbar. Este regalo la decidió a acudir en ayuda de Leto para que nacieran los divinos gemelos.
Leto se arrodilló al pie de la palmera y dio a luz primero a Ártemis, y después, con ayuda de ésta, a Apolo.
Leto fue una madre muy querida por sus hijos, quienes la defendieron por todos los medios, matando a los hijos e hijas de Níobe.
Níobe fue una de las grandes heroínas tebanas y tuvo un elevado número de hijos que varían según los autores.
Según Homero tuvo 12 hijos, seis varones y seis mujeres.
Según Hesíodo tuvo 20 hijos, 10 varones y 10 hembras.
Herodoto habla de 5 hijos, 2 varones y 3 hijas.
Níobe se sentía tan orgullosa de sus hijos que un día declaró que era superior a Leto, madre solo de un hijo, Apolo, y una hija, Artemisa.
Leto, ofendida, pidió a sus hijos que la vengasen y Apolo mató a los hijos de Níobe con sus flechas y Ártemis a sus hijas.
Apolo mató a los hijos varones de Níobe en una cacería del monte Citerón, mientras Ártemis mató a las muchachas que habían quedado en casa.
Níobe, sumida en su gran dolor, huyó junto a su padre Tántalo al monte Sípilo, en Asia Menor, donde los dioses la transformaron en roca, pero sus ojos siguieron llorando dando lugar a un manantial.
ÁRTEMIS O ARTEMISA (DIANA)
Ártemis se identifica en roma con la Diana latina.
Del amor entre Zeus y Leto nacieron los gemelos Ártemis y Apolo.
La primera en nacer en Delos fue Ártemis y tras 9 días de parto ayudó a su madre a traer al mundo a su hermano Apolo.
Ártemis permaneció siempre virgen y eternamente joven, dedicándose a su gran afición, la caza.
Al igual que su hermano Apolo, va armada con arco y flechas para la caza de ciervos.
Ártemis es responsable de la muerte de las mujeres en el parto.
Se atribuyen a sus flechas las muertes repentinas, sobre todo las indoloras.
Es una diosa vengativa y fueran muchas las víctimas de su cólera.
Junto a su hermano Apolo mató a los hijos de Níobe.
Ártemis tomó parte en el combate contra los Gigantes.
Entre sus víctimas figura Orión, el cazador gigante.
El motivo difiere según las tradiciones. En una se dice que incurrió en la ira de la diosa por haberla desafiado a lanzar el disco.
Otra tradición dice que Orión intentó violarla y ella envió un escorpión que le mató con su picadura.
La iconografía nos la presenta vestida con túnica corta, mostrando la anatomía de las piernas, llevando el arco y las flechas.
Se la considera desde la antigüedad una personificación de la Luna, mientras que Apolo lo era del Sol, por lo que a menudo porta una media luna como símbolo.
ACTEÓN
Otro cazador fue Acteón quien, educado por el centauro Quirón, aprendió el arte de la caza.
Un día Acteón, en el Citerón, fue devorado por sus propios perros. La mayoría de los autores atribuyen el castigo a la ira de la diosa Ártemis, irritada por haber sido vista desnuda por Acteón cuando se bañaba en un manantial.
La diosa transformó a Acteón en ciervo y enfureció a su jauría de perros contra él. Los perros le devoraron sin reconocerle y después le buscaron en vano por el bosque.
La búsqueda condujo a los perros hasta la caverna del centauro Quirón, quien, para consolarlos, modeló una estatua a imagen de Acteón.
HENDRIK DE CLERCK. DIANA Y ACTEÓN. 1608. MUSEO DEL PRADO
CACERÍA DE CALIDÓN
Ártemis está en el origen de la Cacería de Calidón, en la que sucumbió el cazador Meleagro.
Eneo se olvidó de ofrecer un sacrificio a Ártemis, cuando realizaba ofrendas a los demás dioses por sus primeras cosechas y Ártemis, ofendida e irritada, envió un enorme jabalí contra Calidón.
ATALANTA Y MELEAGRO CAZANDO EL JABALÍ DE CALIDÓN
1635 – 1640. Óleo sobre lienzo, 162 x 264 cm. Museo del Prado.
En las Metamorfosis de Ovidio (VIII, 260-444), un jabalí gigante, enviado por la diosa Diana, asolaba el reino de Calidón. Rubens, perfecto conocedor de los textos clásicos, es fiel al relato de Ovidio.
Meleagro, hijo del rey, y Atalanta organizaron una cacería, ayudados por Cástor y Pólux.
Rubens en esta obra recrea, como es característico en la última etapa de su pintura, un frondoso paisaje en el que Atalanta hiere mortalmente al animal y envía contra él a los perros. A la izquierda aparecen Cástor y Pólux y a la derecha Meleagro.
La obra fue propiedad del pintor hasta su muerte en 1640 cuando fue adquirida para la colección de Felipe IV.
RUBENS. ATALANTA Y MELEAGRO CAZANDO EL JABALÍ DE CALIDÓN.
1635 – 1640. MUSEO DEL PRADO
CALISTO
Calisto era una ninfa de los bosques que había consagrado su virginidad y se pasaba la vida cazando en el monte con Ártemis y sus compañeras.
Zeus se enamoró de ella, pero como rehuía a los hombres consiguió unirse a ella en la figura de Ártemis, aunque según otras versiones adoptó la figura de Apolo.
Calisto estaba encinta cuando Ártemis y sus ninfas decidieron bañarse en una fuente. Cuando Calisto se desnudó se descubrió su embarazo del que nacería Árcade.
Ártemis irritada la expulsó y la convirtió en osa y la mató de un flechazo por no haber preservado su virginidad.
Zeus la transformó en constelación, la Osa Mayor.
Todas estas leyendas son relatos de cacería que presentan a la diosa salvaje de bosques y montañas.
En los trabajos de Heracles se narra como el héroe recibió de Euristeo la orden de traerle el ciervo de cuernos de oro consagrado a Ártemis.
Heracles persiguió durante un año al ciervo hasta que estuvo muy cansado y lo mató. Ártemis le pidió cuentas, pero él cargó la responsabilidad sobre Euristeo.
En Ifigenia, su padre Agamenón había matado un ciervo en una cacería, mientras esperaba un viento favorable para partir hacia Troya, como consecuencia la diosa inmovilizó la flota griega.
El adivino Tiresias rebeló que el único remedio para acabar con la calma eólica era el sacrificio de Ifigenia, la hija doncella de Agamenón.
Pero Ártemis no aceptó el sacrificio y en el último instante sustituyó a la doncella por una cierva.
Su santuario más célebre fue el de Éfeso, donde Ártemis había asimilado una antigua divinidad asiática de la fecundidad.
Desde la antigüedad se interpretó a Ártemis como una personificación de la Luna errante por las montañas.
Su hermano gemelo Apolo era también considerado una personificación del Sol.
Ártemis fue la protectora de las amazonas, guerreras, cazadoras e independientes de los hombres como ella.
En la iconografía viste con túnica corta, mostrando la anatomía de las piernas, llevando el arco y las flechas.
DIANA CAZADORA, MUSEO ARQUEOLÓGICO DE SEVILLA.
TALLER DE RUBENS DIANA CAZADORA
1617 – 1620. Óleo sobre lienzo, 184 x 199 cm. Museo del Prado.
Esta pintura muestra una cacería de Diana con sus ninfas, un tema repetido en la pintura de Rubens y en las colecciones reales.
TALLER DE RUBENS. DIANA CAZADORA. 1617 – 1620. MUSEO DEL PRADO
Aparece en la decoración de la Torre de la Parada y en el Salón nuevo del Alcázar, como parte de las ocho obras que el artista se trajo consigo en su segunda visita a España entre 1628-1629.
Diana, en el centro con la media luna identificativa sobre su cabeza, aparece acompañada de su séquito. Una de sus ninfas toca una trompa, instrumento utilizado habitualmente en las cacerías.
En la actualidad se considera una obra de taller por la calidad de la pintura y la técnica empleada.
Esta pintura formaba parte de un conjunto llegado desde Flandes para decorar la Torre de la Reina del Alcázar de Madrid.
La referencia documental de este grupo de 26 obras aparece en el inventario del Alcázar de 1636, donde se mencionan 25 de ellas.
La reina, Isabel de Borbón, en 1623 pagó unas obras llegadas de Flandes para decorar sus aposentos.
Desconocemos si fue la reina quien encargó estas obras, el rey o si la idea vino de Flandes de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia.
DIANA Y CALISTO
Hacia 1635. Óleo sobre lienzo, 202,6 x 325,5 cm. Museo del prado
El poeta romano Ovidio en su libro Las Metamorfosis (II, 401-532) relata la historia de Diana y la ninfa Calisto.
RUBENS. DIANA Y CALISTO. 1635. MUSEO DEL PRADO.
Mientras Diana y sus ninfas se preparan para darse un baño Calisto muestra su embarazo.
Avergonzada, intenta cubrirse con sus ropas. A la izquierda, con una media luna en la cabeza, aparece Diana.
Rubens se centra más en Calisto que en Diana y carga la imagen de la sensualidad y el erotismo, característico en sus últimas obras.
La pintura está documentada por primera vez en la colección real española en 1666.
DIANA Y SUS NINFAS SORPRENDIDAS POR SÁTIROS
1639 – 1640. Óleo sobre lienzo, 129,5 x 315,2 cm. Museo del prado
Tras haber recibido el encargo para la Torre de la Parada Rubens sigue trabajando para la corona española en la decoración de la bóveda de Palacio del Alcázar.
Este, junto con cuatro grandes lienzos para el Salón Nuevo del Palacio Real, serán los últimos encargos de Rubens hasta su muerte.
La Bóveda de Palacio era una de las estancias del conocido «cuarto bajo de verano«, situado bajo el cuarto nuevo de la reina, donde el rey se retiraba en los meses de calor y considerado un lugar apartado e íntimo.
Allí colgaron Dánae recibiendo la lluvia de oro y Venus y Adonis junto a las demás poesías de Tiziano.
Las pinturas fueron realizadas en colaboración entre Rubens y Snyders.
El encargo contó con un total de 18 obras, 8 de mayor tamaño dedicadas al tema de la caza y 10 más pequeñas sobre los trabajos de Hércules.
Rubens trabajó en temas de cacerías y mitología para la corona española.
Diana aparece en el extremo derecho de la composición y sus ninfas son atacadas por un grupo de sátiros que las han sorprendido en un claro del bosque.
Las ninfas luchan contra los sátiros, destacando la figura de Diana, que muestra gran enfado con fuerza expresiva, mientras sujeta una lanza.
Rubens crea una composición de gran movimiento en el que las figuras en diferentes posturas, enriquecen la obra.
Utiliza diferentes tonalidades en los cuerpos. Una carnación morena y cálida de los sátiros, frente a las calidades nacaradas de los cuerpos desnudos de las ninfas.
La pincelada es muy suelta para crear una mayor sensación de movimiento.
F. Snyders se encargó de los animales que complementan la composición. Pinta a perros atacando a los faunos del segundo término y en los animales muertos de primer término, crea un pequeño bodegón de caza.
RUBENS. DIANA Y SUS NINFAS SORPRENDIDAS POR SÁTIROS.
1639 – 1640. MUSEO DEL PRADO
SÁTIROS Y FAUNOS
Los sátiros, llamados también silenos, son genios de la Naturaleza incorporados al séquito de Dioniso y Pan.
Eran imaginados bailando en el campo, bebiendo con Dioniso y persiguiendo a las ninfas y a las ménades.
Los sátiros suelen representarse con torso de hombre, pero con las orejas puntiagudas y la parte inferior de macho cabrío. Una larga cola semejante a la de los caballos y un miembro viril perpetuamente erecto, indicio de su gran apetito sexual. Con el tiempo los miembros inferiores también se convierten en humanos y sólo queda la cola como testimonio, que con el tiempo también se pierde.
Los sátiros se asimilaron con el lado salvaje de la naturaleza y la lujuria, sirviendo de pretexto a los pintores para representar escenas eróticas con desnudos femeninos.
Pan es el dios de los pastores y los rebaños en Grecia.
Era la divinidad más importante del cortejo de Dioniso. Habitaba con las ninfas a las que espiaba y perseguía.
Su torso es de hombre y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas. Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy arrugado con barba.
Su atributo es la siringa, flauta formada por una serie de cinco a siete pequeños tubos de desigual tamaño unidos en paralelo y ordenados de mayor a menor.
Pan es una divinidad griega que se acabó identificando con el dios romano Fauno por la similitud de sus atributos.
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
https://maitearte.wordpress.com
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